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Paul Muni


Paul Weisenfreund (Muni) wurde am 22. September 1895 in Lemberg, Österreich, geboren. Der Jude Muni wanderte in die USA aus und etablierte sich auf der jiddischen Bühne.

Er trat in seinem ersten Film auf, Sieben Gesichter, im Jahr 1929. Dies war der Beginn einer langen erfolgreichen Karriere, die Oscar-Nominierungen für Die Valiant (1929), Ich bin ein Flüchtling aus einer Kettenbande (1932), Die Geschichte von Louis Pasteur (1936), Das Leben von Emile Zola (1937) und Der letzte wütende Mann (1959). Paul Muni starb 1967.


Paul Muni - Geschichte

Paul Muni Papers, *T-Mss 1967-005, Billy Rose Theatre Division, The New York Public Library for the Performing Arts.

Archiv Billy Rose Theaterabteilung Zugang zu Materialien Einige Sammlungen der Abteilungen Tanz, Musik, Tonaufnahme und Theater der New York Public Library for the Performing Arts werden außerhalb des Geländes aufbewahrt und müssen im Voraus angefordert werden. Bitte überprüfen Sie die Sammlungsaufzeichnungen in der Online-Katalog der NYPL für detaillierte Standortinformationen. Allgemeine Hinweise zum Anfordern von Offsite-Material finden Sie unter: https://www.nypl.org/about/locations/lpa/requesting-archival-materials Es gelten Einschränkungen

Die Papiere von Paul Muni umfassen die Jahre 1920 bis 1967 und bestehen aus Korrespondenz, Fotografien, Ausschnitten, Sammelalben, persönlichen Papieren und Schriften, die seine Karriere als Schauspieler auf Bühne und Leinwand dokumentieren. Die Korrespondenz enthält Briefe vieler Persönlichkeiten des Tages und diskutiert oft Munis politische und berufliche Ansichten. Korrespondenten sind: Maxwell Anderson, Sherwood Anderson, Rex Beach, Noel Coward, Albert Einstein, Lion Feuchtwanger, John Golden, Arthur Hopkins, Helen Morgan, Dick Powell, Billy Rose und Blanche Yurka. Die Personalpapiere enthalten viele Programme und persönliche Fotos sowie ein von Muni auf Hebräisch oder Jiddisch verfasstes Notizbuch und eine Skizze von ihm von Staats Cotsworth. Sammelalben in der Sammlung sind in erster Linie Ausschnitte mit Rezensionen und Artikeln über Muni und seine Rollen in Theaterstücken und Filmen. Drei der Sammelalben dokumentieren jedoch Reisen von ihm und seiner Frau nach Paris, Wien und Israel. Andere bemerkenswerte Gegenstände sind signierte Fotos von Freunden und ein Foto von Muni mit Amelia Earhart am Set von The WOMAN I LOVE.


Frühes Leben und Karriere

Sein hebräischer Name war Meshilem, er wurde auch Frederich Meier Weisenfreund genannt, geboren in einer jüdischen Familie in  Lemberg, Galizien, einer Provinz des  österreichisch-ungarischen Reiches. (Es ist jetzt  Lviv, Ukraine). Seine Eltern waren Salli und Phillip Weisenfreund. Er lernte Yiddisch hat seine Muttersprache. Als er sieben Jahre alt war, wanderte er mit seiner Familie in die USA aus, 1902 ließ er sich in Chicago nieder.

Als Junge war er als "Moony" bekannt. Er begann seine Schauspielkarriere am jiddischen Theater in Chicago mit seinen Eltern, die beide Schauspieler waren. Als Teenager entwickelte er eine Fähigkeit, Make-up zu kreieren, was es ihm ermöglichte, viel ältere Charaktere zu spielen. [3]  Filmhistoriker Robert Osborne bemerkt, dass Munis Make-up-Fähigkeiten so kreativ waren, dass er für die meisten seiner Rollen "sein Aussehen so komplett veränderte, dass er als ,der neue Lon Chaney' bezeichnet wurde." In seine erste Bühnenrolle im Alter von 12 Jahren spielte Muni die Rolle eines 80-jährigen Mannes.

Er wurde schnell von  Maurice Schwartz erkannt, der ihn bei seinem Yiddish Art Theatre unter Vertrag nahm. Edward G. Robinson und Paul Muni waren Cousins ​​von Charles M. Fritz, der während der Großen Depression ein bemerkenswerter Schauspieler war.

Ein 1925 New York Times article hob die Aufführungen von Sam Kasten und Muni im Volkstheater als einen der Höhepunkte der diesjährigen jiddischen Theatersaison hervor und beschrieb sie als zweitletzten nach  Ludwig Satz.

Muni begann 1926 mit der Schauspielerei am Broadway. Seine erste Rolle war die eines älteren jüdischen Mannes in dem StückWir Amerikaner, geschrieben von Dramatikern  Max Siegel and Milton Herbert Gropper. Es war das erste Mal, dass er auf Englisch agierte.

1921 heiratete er Bella Finkel (8. Februar 1898 – 1. Oktober 1971), eine Schauspielerin des jiddischen Theaters. Sie blieben bis zu Munis Tod 1967 verheiratet.


Paul Muni - Geschichte

1937
Der Gewinner wird zuerst in GROSSBUCHSTABEN aufgeführt.

Bestes Bild

DAS LEBEN VON EMILE ZOLA (1937)

Die schreckliche Wahrheit (1937)

Kapitäne mutig (1937)

Sackgasse (1937)

Die gute Erde (1937)

Im alten Chicago (1937)

Verlorener Horizont (1937)

Hundert Männer und ein Mädchen (1937)

Bühnentür (1937)

Ein Stern ist geboren (1937)

Schauspieler:
SPENCER TRACY in "Captains Courageous", Charles Boyer in "Conquest", Fredric March in "A Star is Born", Robert Montgomery in "Night Must Fall", Paul Muni in "The Life of Emile Zola"
Darstellerin:
LUISE RAINER in "The Good Earth", Irene Dunne in "The Awful Truth", Greta Garbo in "Camille", Janet Gaynor in "A Star is Born", Barbara Stanwyck in "Stella Dallas"
Nebendarsteller:
JOSEPH SCHILDKRAUT in "The Life of Emile Zola", Ralph Bellamy in "The Awful Truth", Thomas Mitchell in "The Hurricane", H. B. Warner in "Lost Horizon", Roland Young in "Topper"
Nebendarstellerin:
ALICE BRADY in "In Old Chicago", Andrea Leeds in "Stage Door", Anne Shirley in "Stella Dallas", Claire Trevor in "Dead End", May Whitty in "Night Must Fall"
Direktor:
LEO MCCAREY für "The Awful Truth", William Dieterle für "The Life of Emile Zola", Sidney Franklin für "The Good Earth", Gregory La Cava für "Stage Door", William Wellmann für "A Star is Born"

Die im März 1938 abgehaltene Zeremonie wurde wegen Überschwemmungen in Los Angeles um eine Woche verschoben. Dies war das erste Mal, dass die Zeremonie verschoben wurde. Zwei weitere Zeremonien verzögerten sich ebenfalls - in den Jahren 1968 und 1981.

Das war der letzte Jahr für die kurzlebige Auszeichnungskategorie Bester Regieassistent (gewonnen von Robert D. Webb für Im alten Chicago), und auch das letzte Jahr für die dreijährige Kategorie Beste Tanzrichtung (gewonnen von Hermes Pan für "Fun House" in George Stevens' Eine Jungfrau in Not). Dieses Jahr war das einzige, in dem ein Marx Brothers-Film eine Oscar-Nominierung erhielt – für Dave Goulds beste Tanzregie für die Song-/Tanznummer "All God's Children Got Rhythm" Ein Tag bei den Rennen.

Nach dem Best Picture-Erfolg ein Jahr zuvor mit der Filmbiografie Die Geschichte von Louis Pasteur (1936), Warner Bros. Studio, Regisseur William Dieterle und Schauspieler Paul Muni haben sich für das "Prestige-Bild" zusammengetan Das Leben von Emile Zola und gelang - es war das Studio Erste Best Picture Award - das Studio war bereits bekannt für seine Markenzeichen, sozialbewusste Biopic-Filme. Dieterle erhielt seine erste (und einzige) Nominierung als bester Regisseur für den Film.

Der Gewinner des Besten Films war eine gut gemachte Leinwandbiografie über Emile Zola, den brillanten, kreuzzugsstarken französischen Schriftsteller des 19. Strafkolonie Devil's Island) im späten 19. Der Film gewann drei Preise aus seinen zehn Nominierungen: Bester Film, Bester Nebendarsteller und Bestes Drehbuch.

Ein weiterer ausgezeichneter Nominierter für den Besten Film für 1937 war ein Film mit sechs Nominierungen und nur einem Sieg - Beste Regie für Leo McCarey. Der Film war die klassische Screwball-Geschichte, die auf Arthur Richmans Stück basiert. Die schreckliche Wahrheit - eine raffinierte Komödie über ein Ehepaar (das erste Paar auf dem Bildschirm von Cary Grant und Irene Dunne), das sich in einem Gerichtssaal trennt, aber dann entdeckt, dass sie in letzter Minute füreinander bestimmt sind.

Andere Nominierte für den besten Film des Jahres 1937 umfassten sowohl ernsthafte als auch unterhaltsame Entscheidungen:

  • Victor Flemings Erzählung von Rudyard Kiplings Roman von 1897, Kapitäne mutig (mit vier Nominierungen und einem Sieg - Bester Hauptdarsteller) über die kindliche Bindung zwischen einer reichen Göre und einem portugiesischen Fischer
  • Sozialdrama von Regisseur William Wyler Sackgasse (mit vier Nominierungen und ohne Siege) - eine Adaption von Lillian Hellman eines Sidney Kingsley-Stücks über das Leben in den Slums der New Yorker Lower East Side
  • Regisseur Sidney Franklins Neukreation von Pearl S. Bucks zeitlosem Klassiker Die gute Erde (mit fünf Nominierungen und zwei Siegen – Beste Hauptdarstellerin und Beste Kamera (Karl Freund)), über ein armes chinesisches Bauernpaar
  • Die Geschichte des Regisseurs Henry King über die Familie O'Leary und ihre Geschwisterrivalität im romantischen Abenteuer Im alten Chicago (mit sechs Nominierungen und zwei Siegen – Beste Nebendarstellerin und Beste Regieassistentin)
  • Regisseur Frank Capras klassischer utopischer Romantik-/Fantasyfilm aus dem klassischen Roman von James Hilton Verlorener Horizont (mit sieben Nominierungen und zwei Siegen - Beste Innendekoration und Bester Filmschnitt)
  • Musical von Regisseur Henry Koster 100 Männer und ein Mädchen (mit fünf Nominierungen und einem Sieg - Best Score) - ein weiteres charmantes musikalisches Vehikel von Deanna Durbin und mit Dirigent Leopold Stokowski als er selbst
  • der Film von Regisseur Gregory La Cava nach dem Stück von Edna Ferber und George S. Kaufman, Bühneneingang (mit vier Nominierungen und ohne Siege), eine frühe Situationskomödie über die Ambitionen potenzieller Broadway-Schauspielerinnen in einer Theaterpension
  • Regisseur William A. Wellmans früheste Version von Ein Star ist geboren (mit sechs Nominierungen und einem Sieg - Beste Originalgeschichte (für Co-Autor/Regisseur Wellman) und mit einem Sonderpreis für Farbfotografie), über eine schüchterne, hoffnungsvolle Schauspielerin, die durch die Hilfe eines alkoholkranken Schauspielers im Niedergang zum Star wird

In der Kategorie Bester Schauspieler gewann Spencer Tracy (mit seiner zweiten Nominierung in Folge und dem ersten Oscar) für seine Darstellung als Manuel, ein einfacher portugiesischer Fischer, der sich mit einem verwöhnten und arroganten englischen Jungen (Freddie Bartholomew) anfreundet und ihn zähmt, indem er ihm Unterricht in harten Arbeit und Ehrlichkeit in Kapitäne mutig - es wäre Tracys Erste von zwei aufeinanderfolgenden Oscars als bester Hauptdarsteller. [Im Nachhinein hätte Tracy für seine Rolle als bester Nebendarsteller nominiert werden sollen.]

Viele andere hervorragende Darsteller wurden als bester Schauspieler nominiert:

  • Paul Muni (mit seiner vierten Nominierung und seinem versuchten zweiten Preis als bester Schauspieler in Folge) in der Titelrolle als französischer Schriftsteller Emile Zola, der den Antisemitismus in der französischen Regierung in Das Leben von Emile Zola mit einer langwierigen Verteidigung im Gerichtssaal als Höhepunkt
  • Robert Montgomery (mit seiner ersten Nominierung) als psychotischer Serienmörder Danny in dem angespannten Drama von Regisseur Richard Thorpe Die Nacht muss fallen (mit zwei Nominierungen und ohne Siege)
  • Fredric March (mit seiner dritten Nominierung) als betrunkener, ehemaliger Schauspieler Norman Maine in Ein Star ist geboren
  • Charles Boyer (mit seiner ersten von vier erfolglosen Nominierungen) als Napoleon in Regisseur Clarence Brown Eroberung (mit zwei Nominierungen und ohne Siege)

Luise Rainer (mit ihrer zweiten Nominierung und ihrem zweiten Oscar) gewann den Sekunde ihrer Rücken an Rücken Oscars als beste Hauptdarstellerin für ihre Leistung als starke und stille O-Lan, eine aufopferungsvolle chinesische Bäuerin (verheiratet mit Ehemann Paul Muni) in Die gute Erde. Sie wurde die Erste mehrfacher Oscar-Gewinner und war der Erste zwei Jahre in Folge eine Auszeichnung zu gewinnen. Ihr Sieg (in ihrem dritten Film) war sehr umstritten, da ihre Rivalen außergewöhnliche Schauspielerinnen in mehr verdienten Rollen waren, insbesondere Garbos Leistung!:

  • Greta Garbo (mit ihrer dritten von vier erfolglosen Nominierungen) als sterbende, tragische Kurtisane Marguerite Gautier in Camille (die einzige Nominierung des Films)
  • Barbara Stanwyck (mit ihrer ersten von vier erfolglosen Nominierungen) als aufopfernde Arbeitermutter in der Titelrolle von Stella Dallas (mit zwei Nominierungen und ohne Siege) - ein klassischer Tränenfilm und "Frauenbild" von Regisseur King Vidor
  • Irene Dunne (mit ihrer dritten von fünf erfolglosen Nominierungen) als witzige geschiedene Lucy Warriner in Die schreckliche Wahrheit
  • Janet Gaynor - die erste Gewinnerin des Preises als beste Schauspielerin (mit ihrer zweiten (oder dritten) und letzten Nominierung) - für ihre Rolle als aufstrebender Star Vicki Lester in Ein Star ist geboren

[Nur eine Handvoll Schauspieler/innen haben zwei aufeinanderfolgende Schauspielpreise gewonnen: Luise Rainer für Das große Ziegfeld (1936) und Die gute Erde (1937) Spencer Tracy für Kapitäne mutig (1937) und Jungenstadt (1938) Katharine Hepburn für Rate mal, wer zum Abendessen kommt (1967) und Der Löwe im Winter (1968) Jason Robards als Bester Nebendarsteller für Alle Männer des Präsidenten (1976) und Julia (1977) und Tom Hanks für Philadelphia (1993) und Forrest Gump (1994).] Luise Rainer schlug mit ihren beiden Siegen die talentierte Irene Dunne, die für zwei ihrer denkwürdigsten komödiantischen Rollen nominiert wurde, Theodora wird wild (1936) und Die schreckliche Wahrheit.

Den Preis für den besten Nebendarsteller gewann der in Wien geborene Joseph Schildkraut (mit seiner einzigen Nominierung und Oscar) als tragischer, in Ungnade gefallener jüdischer Offizier, Hauptmann Alfred Dreyfus, der 1894 in der Dritten Republik Frankreich fälschlicherweise der Spionage angeklagt und zu lebenslanger Haft verurteilt wurde Teufelsinsel in Das Leben von Emile Zola. Die anderen Nominierten waren:

  • Ralph Bellamy (mit seiner einzigen Nominierung) als dämlicher Oklahomaner Daniel Leeson (Irene Dunnes Freund) in Die schreckliche Wahrheit
  • Thomas Mitchell (mit seiner ersten Nominierung) als Dr. Kersaint in dem spektakulären Blockbuster South Seas von Regisseur John Ford und Sam Goldwyn Der Hurricane (mit vier Nominierungen und einem Sieg - Beste Tonaufnahme)
  • H. B. Warner (mit seiner einzigen Nominierung) als Chang in Verlorener Horizont
  • Roland Young (mit seiner einzigen Nominierung) als von Geistern heimgesuchter Banker Cosmo Topper in der Screwball-Fantasy-Komödie von Regisseur Norman McLeod Topper (mit zwei Nominierungen und ohne Siege)

Und den Preis für die beste Nebendarstellerin gewann die Komikerin Alice Brady (mit ihrer zweiten Nominierung in Folge und ihrem ersten Oscar) als Mrs. O'Leary - die Mutter von Tyrone Power und Don Ameche und die Besitzerin der Laternen-tretenden Kuh am Vorabend des Großen Brandes von 1871 in Im alten Chicago. Die vier weiteren Nominierten in der Kategorie waren:

  • Andrea Leeds (mit ihrer einzigen Nominierung) als tragisch-suizidale Schauspielerin-hoffnungsvolle Kaye Hamilton in Bühneneingang
  • Anne Shirley (mit ihrer einzigen Nominierung) als Co-Star Barbara Stanwycks junge Tochter Laurel Dallas in Stella Dallas
  • Claire Trevor (mit ihrer ersten Nominierung) als Slum-Straßenläuferin Francie (und die alte Freundin von Co-Star Bogart) in Sackgasse
  • May Whitty (mit ihrer ersten Nominierung) als von Psychopathen bedrohte ältere Frau Bramson in Die Nacht muss fallen

Der Stummfilmunternehmer und Keystone Kops-Urheber Mack Sennett wurde mit einem Sonderpreis für "seinen nachhaltigen Beitrag zur Comedy-Technik der Leinwand" geehrt. dieser Meister des Spaßes, Entdecker der Stars, sympathisches, freundliches, verständnisvolles Comedy-Genie.“ Ein zweiter Sonderpreis wurde Edgar Bergen für seine herausragende Comedy-Kreation, Marionette Charlie McCarthy, verliehen.

Disney gewann ein weiteres Kurzthema: Cartoon-Oscar für Die alte Mühle - sein sechster (aufeinanderfolgender) Sieg in der Kategorie.

Paul Muni spielte nicht nur im Gewinner des Besten Films mit, sondern auch in Die gute Erde als Rainers Ehemann - der letzte Film, der vom legendären Produzenten Irving Thalberg von MGM Studios betreut wurde. Thalbergs Tod führte ab 1937 zur Gründung einer neuen Kategorie: Der Thalberg Award wurde erstmals an Darryl Zanuck von 20th Century Fox verliehen.

Wenn die Akademie 1937 den Spezialeffekt-Oscar eingeführt hätte (er existierte erst 1939), Die gute Erde für seinen spektakulären Heuschreckenschwarm gewonnen hätte, oder Im alten Chicago wäre für seine spektakuläre 20-minütige Nachbildung des Feuers in Chicago von 1871 oder des zerstörerischen Hurrikans in . geehrt worden Der Hurricane als preiswürdig anerkannt worden wäre.

Oscar-Snubs und Auslassungen:

Seltsamerweise Regisseur Victor Fleming von Kapitäne mutig wurde für eine Nominierung als bester Regisseur übergangen. Eine der klassischen Komödien von Laurel und Hardy, Weg aus dem WestenEr war nur für eine Kategorie nominiert: Best Score, und verlor.

Alle wichtigen Mitwirkenden zum Nominierten für den besten Film Die schreckliche Wahrheit wurde ausgezeichnet (Irene Dunne für die beste Hauptdarstellerin, Ralph Bellamy für den besten Nebendarsteller und Leo McCarey für die beste Regie und das beste Drehbuch), aber die männliche Hauptrolle des Komödienfilms, Cary Grant, war nicht nominiert für den besten Schauspieler - ein bedeutendes Beispiel für die Abneigung der Akademie vor komischen Darbietungen. [Grant wurde zweimal für seine nominiert dramatisch Aufführungen für Penny-Serenade (1941) und Niemand außer dem einsamen Herzen (1944).] Als McCarey den Preis überreichte, bemerkte er: "Danke, aber du hast ihn mir wegen des falschen Bildes gegeben" - er bezog sich auf die völlige Vernachlässigung seines anderen Films von 1937 durch die Akademie Mach Platz für morgen.

Das letzte Jahr für den Best Dance Direction Award (gegründet 1935) wurde erneut an einen anderen als den Nominierten Busby Berkeley (für "The Finale Number" in WB's .) vergeben Varsity-Show). Stattdessen wurde es Hermes Pan für die "Fun House" -Nummer in RKOs präsentiert Eine Jungfrau in Not.

Eine der schlechtesten Auszeichnungen des Jahres war in der Kategorie Bester Song - die Auszeichnung ging an Harry Owens' Song "Sweet Leilani" aus Paramounts Bing Crosby Musical Waikiki-Hochzeit über das überlegene und anspruchsvollere "They Can't Take That Away From Me" (gesungen von Fred Astaire), geschrieben von George und Ira Gershwin in RKO's Sollen wir tanzen.

Und eines von Walt Disneys Meisterwerken, der erste abendfüllende Zeichentrickfilm Schneewittchen und die sieben Zwerge wurde nur für eine Auszeichnung nominiert, Best Score - und verlor! Es wäre eine gute Wahl für das beste Bild gewesen.

Sowohl Ginger Rogers als auch Katharine Hepburn wurden für ihre Auftritte in . übersehen Bühneneingang, und Carole Lombard wurde nicht für ihre Rolle als Kleinstadtmädchen Hazel Flagg nominiert, die vortäuschte, an einer Radiumvergiftung zu sterben und in der Screwball-Komödie von Regisseur William Wellman zum Toast der Stadt in Manhattan wurde Nichts Heiliges.

Rückblickend ist auch bemerkenswert, dass der Klassiker von MGM Camille, unter der Regie von George Cukor, einem der größten romantischen Tränensäcke in der gesamten Filmgeschichte, erhielt nur eine Nominierung – Beste Hauptdarstellerin, die Garbo verlor – und war nicht nominiert für den besten Film, als der Film zwei andere Nominierte für den besten Film mit Leichtigkeit übertraf: Im alten Chicago und Hundert Männer und ein Mädchen.


Paul Muni - Geschichte

Die Mühe, die sie hatten, als sie durch die "Bühnentür" gingen. --

Muni trägt sein eigenes Make-up. --

Was seine Frau Bella Finkel dazu sagt.

Dem Vertreter des "Forward" ist es diese Woche gelungen, Paul Muni (Weisenfreund) in seiner Garderobe im Plymouth Theatre zu erwischen, wo er jetzt in Elmer Rices "Counsellor at Law" spielt Muni nähern.

Zuallererst müssen Sie die strenge Prüfung eines Iren bestehen. Wenn Sie die Prüfung bereits bestanden haben, müssen Sie anschließend einen Chinesen sehen. Er ist schon ein "chin" höher und steht näher am Stern. Wenn Sie sich für Chinesisch interessieren, müssen Sie zuerst eine Reihe von Schritten durchlaufen und mit Dutzenden von Augen betrachtet werden. Mit Gottes Hilfe bist du schon oben, klopfst an die Tür und wirst zu Muni eingelassen.

Aber der Verfasser dieser Zeilen stimmte zu. Als er aufstand und sich mit der irischen Wache beschäftigte, ging Muni vorbei, er hatte den zweiten Akt beendet und ging in seine Garderobe, um sich anzuziehen. Freude strömte über Munis besorgtes Gesicht.

(In "Counsellor at Law" Muni spielt die Rolle des Anwalts Simon. Nach dem zweiten Akt macht er sich Sorgen, weil sein Feind, der aristokratische Anwalt, sich auf ihn gestützt hat und ihn ausweisen wollte. Im dritten Akt besiegt Simon jedoch das Böse einer.)

»Komm rein, komm rein«, »Mr. Simon rief fröhlich aus: "Warum lässt du ihn nicht rein, John?"

Als John einen so freundlichen Ton mit einem so herzlichen Willkommen hörte, stellte er sich respektvoll vor den Schriftsteller und ging von seinem Weg und zu den Chinesen, seine schmalen Augen weiteten sich vor Ehrfurcht.

»Gut, dass Sie gekommen sind«, ergriff Muni herzlich die Hand des Schriftstellers. "Ich vermisse ein weiteres bekanntes Gesicht. Was machen alle im 'Vorwärts'? "Warum bist du nicht früher gekommen?"

Sag ihm, dass die Meierisher und die Chinesen lassen nicht zu sarinke fliegen durch. Es ist leichter für ein Kamel, durch ein Nadelöhr zu kriechen, als für einen Schriftsteller, an den Wachen am Bühneneingang des Plymouth Theatre vorbeizuschlüpfen.

Zwischen dem zweiten und dritten Akt hatte Muni nur fünf Minuten Zeit. In den fünf Minuten, die er brauchte, um sich anzuziehen, größer zu werden und noch mehr Falten auf seiner Stirn zu machen. (Weil Simon, wie schon gesagt wurde, keine Nächte schläft wegen der krummen Probleme, die ihm der Böse, der Anwalt aus der Park Avenue, möge sein Name ausgelöscht werden, angetan hat.)

Der berühmte Star kleidete sich mit Hilfe eines Japaners an, und der Schriftsteller versuchte, ein oder zwei Wörter zu verstehen. Aus den paar Worten verstand er, dass "Counsellor at Law" immer weitergehen wird, da der Erfolg des Stücks außergewöhnlich ist. Dies ist das einzige Angebot am Broadway, das "Stehplätze [nur Zimmer]" verkauft. Simon" so schnell wie möglich.

Plötzlich jedoch sah der Schriftsteller etwas, das ihn einfach verblüffte: eine Sensation, nominell eine Sensation!

Der Schnurrbart "Mr. Simon" trägt nicht geklebt, sondern ist echt, da sie aus Paul Munis Oberlippe herauswächst.

Wie ?! Er, Paul Muni, der Schauspieler, der als einer der besten Make-up-Künstler der Welt gilt, – sollte er seinen eigenen Schnurrbart tragen?

Ja das ist es. Wie ist das möglich, wieso, warum?

„Zeit sparen“, gestand Muni sein großes Geheimnis, „jeden Abend, Donnerstag und Samstag, zwei Shows zu spielen, ist keine leichte Aufgabe. Manchmal fallen sie mit den Szenen ins Hintertreffen – kurz, was gibt es zu erklären? „Ich habe meine eigenen Haare auf meiner Oberlippe gelassen – und hier ist sie.“

„Und deine Frau Bella Finkel, was denkt sie?“

„Zuerst hat es sie ein wenig schockiert, besonders dann, wenn ich hallo und auf Wiedersehen sagte. aber jetzt hat sie sich daran gewöhnt.

Die Glocke läutete und er ging auf die Bühne.

"Begrüße alle beim 'Forward'", bat er, "und komm hoch, komm hoch."

Komm rauf – und da steht der Ire mit einem Chinesen, und sie sehen dich an, als wärst du ein wildes Tier und kein Mensch.

Sagen Sie ihnen, dass Sie in fünf Minuten Material für einen Artikel bekommen können. Was wissen ein Chinese und ein Ire?

* - "Counsellor at Law" wurde am 6. November 1931 im Plymouth Theatre in New York City eröffnet und am 6. Juli 1932 nach 292 Vorstellungen geschlossen.

Das Museum des Jiddischen Theaters ist eine Abteilung des Museums für Familiengeschichte.


Erster Porsche fertig

Am 8. Juni 1948 wurde ein handgefertigter Aluminium-Prototyp mit der Aufschrift “No. 1″ trägt als erstes Fahrzeug den Namen eines der weltweit führenden Luxusautomobilhersteller: Porsche.

Der österreichische Automobilingenieur Ferdinand Porsche debütierte 1900 auf der Weltausstellung in Paris mit seinem ersten Entwurf. Das Elektrofahrzeug stellte mehrere österreichische Landgeschwindigkeitsrekorde auf, erreichte mehr als 35 Meilen pro Stunde und brachte dem jungen Ingenieur internationale Anerkennung ein. 1916 wurde er Generaldirektor der Austro-Daimler Company (einer Außenstelle des deutschen Automobilherstellers) und wechselte später in die Daimler-Zentrale in Stuttgart. Daimler fusionierte in den 1920er Jahren mit der Firma Benz, und Porsche war hauptsächlich für die Konstruktion einiger der großen Mercedes-Rennwagen dieses Jahrzehnts verantwortlich.

1931 verließ Porsche Daimler und gründete sein eigenes Unternehmen. Einige Jahre später forderte Adolf Hitler den Ingenieur auf, bei der Herstellung eines kleinen “Volkswagens” für die deutschen Massen zu helfen. Mit seinem Sohn, auch Ferdinand (bekannt als Ferry) genannt, konstruierte Porsche 1936 den Prototyp für den ursprünglichen Volkswagen (bekannt als KdF: “Kraft durch Freude,” oder “Kraft durch Freude”). Während der Welt Im Zweiten Weltkrieg entwarfen die Porsches auch Militärfahrzeuge, allen voran den mächtigen Tiger-Panzer.

Bei Kriegsende beschuldigten die Franzosen den älteren Porsche der Kriegsverbrechen und hielten ihn mehr als ein Jahr lang inhaftiert. Ferry hatte Mühe, das Familienunternehmen über Wasser zu halten. Er baute einen Grand-Prix-Rennwagen, den Typ 360 Cisitalia, für einen wohlhabenden italienischen Industriellen und benutzte das Geld, um die Kaution seines Vaters zu bezahlen. Als Porsche aus dem Gefängnis entlassen wurde, stimmte er einem anderen Projekt von Ferry zu: einem neuen Sportwagen, der als erster überhaupt den Namen Porsche tragen sollte. Das neue Auto mit dem Namen Typ 356 stand in der Tradition früherer Porsche-Rennwagen wie dem Cisitalia. Der Motor wurde mit modifizierten Volkswagen-Antriebskomponenten vor dem Transaxle-Chassis in der Mitte des Chassis platziert.


Paul Muni (1895-1967)


Paul Muni

Obwohl er im Laufe seiner Karriere nur in 25 Filmen mitwirkte, erhielt er sechs Nominierungen für die Oscars und gewann 1936 einmal als bester Hauptdarsteller in "The Story of Louis Pasteur".

Biografie

Ab 1910 tourte er mit verschiedenen jiddischen Schauspielkompanien durch Amerika, zuerst mit Samuel Grossmans Theatertruppe, dann mit einer Burlesque-Kompanie in Philadelphia und ab 1917 für ein Jahr mit Molly Picons Kompanie in Boston.

Sein Talent wurde vom Gründer des New York Yiddish Art Theatre, Maurice Schwartz, erkannt, der ihn 1918 unter Vertrag nahm und er in den 1920er Jahren zu einem Star des jiddischen Theaters wurde. Bis zu seinem ersten Auftritt am Broadway im Jahr 1926 war Munis Schauspiel ausschließlich auf Jiddisch, als er in "We Americans" auf Englisch auftrat und als Muni Wisenfrend bekannt wurde. Es war seine erste englischsprachige Schauspielrolle und seine Leistung machte ihn auf Hollywood aufmerksam.

Hollywood-Schauspieler

1932 nahm er seine Filmkarriere wieder auf und spielte als schwesterbesessener Gangster in "Scarface". Er wurde ein zweites Mal als bester Hauptdarsteller für seine Leistung in einem anderen Pre-Code-Film nominiert, "I Am a Fugitive from a Chain Gang". Dies war sein erster Film, nachdem er einen langfristigen Vertrag mit Warner Brothers unterzeichnet hatte, der es ihm auch erlaubte, zwischen den Bildern auf der Bühne zu spielen.

In den folgenden Jahren bis zu seiner Pensionierung 1959 wechselte er zwischen Film und Bühne und zwischen "unterhaltsamen" Filmen wie 'Dr. In dieser letzteren Gruppe befinden sich seine drei Biografien: "Die Geschichte von Louis Pasteur" im Jahr 1936 (wobei Muni seinen Oscar als bester Schauspieler gewann), "Das Leben des Emile Zola" von 1937 und "Juarez" im Jahr 1939.

Munis Vertrag bei Warner Brothers gab ihm die Genehmigung des Drehbuchs und er wurde äußerst wählerisch in seiner Arbeit. Er war ein besessener Perfektionist und verbrachte Monate damit, einen Charakter zu recherchieren und sich auf seine Leistung vorzubereiten. Selbst nachdem die Dreharbeiten begonnen hatten, blieb er zwischen den Takes in seiner Rolle und manchmal sogar außerhalb des Studios. Seine Methoden funktionierten und er wurde als einer der besten Schauspieler seiner Generation bekannt.

Am Set war Muni fast vollständig auf den Rat und die Meinung seiner Frau Bella angewiesen, die er 1921 heiratete. Wenn sie einer Einstellung nicht zustimmte, musste sie neu gedreht werden. Er war ein exzentrischer Mann und mochte die Farbe Rot nicht und geriet am Set in Panik, wenn er jemanden sah, der sie trug.

1939 hatte er mit "Key Largo" einen großen Broadway-Erfolg, drehte aber in den 1940er Jahren nur eine Handvoll Filme, meist erfolglos, wie "Commandos Strike at Dawn" mit Lillian Gish im Jahr 1942 und den Fantasy-Film "Angel on My Shoulder". 1946, bis er 1955 ein triumphales Comeback in der Rolle des Henry Drummond in der Broadway-Produktion von "Inherit the Wind" feierte, für die er den Tony Award gewann.

Spätere Karriere

Danach zwang ihn sein sich verschlechternder Gesundheitszustand und insbesondere sein Sehvermögen in den Ruhestand.


Paul Mooney, bahnbrechender Komiker und Mitarbeiter von Richard Pryor, stirbt im Alter von 79 Jahren

Paul Mooney, der grenzenlose Komiker und Comedy-Autor, der seine Ansichten zu Rasse, Rassismus und sozialer Gerechtigkeit als langjähriger Partner hinter den Kulissen von Richard Pryor, ein Mitwirkender von „In Living Color“ und ein Performer und Autor von „ Chappelle's Show“, starb am Mittwoch in seinem Haus in Oakland, Kalifornien. Er war 79 Jahre alt.

Die Ursache sei ein Herzinfarkt gewesen, sagte Cassandra Williams, seine Publizistin. Bei Herrn Mooney wurde 2014 Prostatakrebs festgestellt.

Wenn Sie die Arbeit von Herrn Pryor kannten, kannten Sie wahrscheinlich die Worte von Herrn Mooney. Die beiden arbeiteten zusammen an der kurzlebigen Varieté-Serie "The Richard Pryor Show" von 1977, "Pryor's Place" (1984), Mr. Pryors unwahrscheinlicher Versuch, eine Kindershow im Fernsehen zu machen, das Album und den Film "Richard Pryor: Live on the Sunset Strip". “ (1982), der autobiografische Film „Jo Jo Dancer, Your Life Is Calling“ (1986), in dem Mr. Pryor mitspielte und Regie führte, und Mr. Pryors Auftritt als Moderator bei „Saturday Night Live“ 1975. Diese Episode enthielt einen mittlerweile berühmten eskalierenden Job-Interview-Sketch mit Chevy Chase, geschrieben von Mr. Mooney.

In einem Interview mit der New York Times nach dem Tod von Herrn Pryor im Jahr 2005 im Alter von 65 Jahren beschrieb sich Herr Mooney als Herrn Pryors „schwarzen Schriftsteller“.

Als Autor von „In Living Color“, der erfolgreichen Sketch-Comedy-Show von Keenen Ivory Wayans, die 1990 auf Fox mit einer überwiegend schwarzen Besetzung uraufgeführt wurde, war Mr. Mooney die Inspiration und Mitschöpfer von Homey D. Clown, einem weniger als eine fröhliche Zirkuskostümfigur, gespielt von Damon Wayans, der gezwungen war, mit Kindern zu interagieren (Teil seiner Bewährungsvereinbarung) und sie normalerweise erschreckte.

Als Autor und Darsteller in "Chappelle's Show" spielte Mr. Mooney Anfang der 2000er Jahre Negrodamus, inspiriert vom Astrologen Nostradamus aus dem 16. Ehe von Schwarzenegger und Maria Shriver). Mr. Mooney trat auch als Experte in „Ask a Black Dude“-Segmenten auf und rezensierte Filme zusammen mit weißen Kritikerinnen. Als er über „Vom Winde verweht“ sprach, enthüllte er, dass Hattie McDaniel, die die versklavte Figur namens Mammy spielte, als Oprah Winfrey wiedergeboren wurde – für das Geld.

Zu Mr. Mooneys Filmrollen gehörten der Sänger Sam Cooke in „The Buddy Holly Story“ (1978) und Junebug, ein Stand-up-Comedian der alten Schule mit gleichem Maß an Würde, Integrität und Genie, in „Bamboozled“ (2000), Spike Lees dunkle Farce über einen Fernsehsender, der das Genre der Minnesänger-Shows zurückbringt.

In der "Morning Edition" von NPR diese Woche fragte Mr. Chappelle nach seinen Gedanken und nannte Mr. Mooney einfach "das Beste, was es je gab".

Paul Mooney wurde am 4. August 1941 als Paul Gladney in Shreveport, LA, als Sohn von George Gladney und LaVoya Ealy geboren, die beide Teenager waren. Als Paul 7 Jahre alt war, zog er mit seiner Mutter und ihren Eltern nach Oakland, wo er größtenteils von seiner Großmutter Aimay Ealy aufgezogen wurde.

Obwohl einige Berichte besagten, dass er seinen Bühnennamen von dem Hollywood-Schauspieler Paul Muni übernommen hatte, korrigierte er dies in seinen Memoiren von 2007 „Black Is the New White“. Seine Familie liebte Spitznamen, schrieb er, und seine Großmutter nannte ihn gerade als Kind Mooney.

Paul war 14 Jahre alt, als er und seine Mutter in das nahegelegene Berkeley zogen. Dort gewann er in einem örtlichen Kino seinen ersten „Hambone“-Wettbewerb, bei dem er einen afroamerikanischen Stampftanz aufführte, bei dem er wie eine Trommel auf den Körper klatschte und klopfte. Da wurde ihm klar, dass er Applaus liebte – und Preisgelder.

Er hatte seinen ersten Geschmack von Ruhm, als er als Teenager regelmäßig in einer lokalen Tanzparty-Fernsehsendung spielte. Nach der Armee (er wurde in Deutschland eingezogen und diente) kam er zu allen möglichen Verkaufsjobs und vor allem in eine Zukunft in der Unterhaltung. Er machte seine erste Stand-up-Comedy (zusammen mit Freunden, die Folksänger waren), gründete eine schwarze Improvisationsgruppe namens Yankee Doodle Bedbugs und schloss sich der bekannten Improvisationsgruppe Second City an. He also took a job for a while as ringmaster of the traveling Gatti-Charles Circus, which, he said, just called for looking good and telling jokes.

He met Mr. Pryor in the late 1960s at a party, and they soon discovered that their personal lives were antithetical. “Pryor was a self-loathing, drug-addicted genius, Mooney an industrious teetotaler, but they bonded over laughs and a distrust of the white Hollywood power structure,” The Los Angeles Times wrote in 2010.

In the early days, they were the co-writers of two episodes of “Sanford and Son,” the 1970s comedy hit starring Redd Foxx. Their partnership continued for decades.

Mr. Mooney continued his comedy career after Mr. Pryor’s death, preserving his routines in documentaries and DVDs like “The Godfather of Comedy” (2012) and “Jesus Is Black — So Was Cleopatra — Know Your History” (2007).

In “Jesus Is Black,” his three sons — Shane (whose mother was Yvonne Carothers, whom Mr. Mooney married in 1973) and Daryl and Dwayne (twin sons from an earlier relationship) — appeared as themselves. Complete information on survivors was not immediately available.

Mr. Mooney’s bluntness got him into trouble at times — for example, when he suggested that the 2013 Boston Marathon bombings were just what white people deserved, and when he said that the only sure way to end racism was to kill every white person on the planet. After freely using an incendiary racial slur for decades, he started a campaign against it after the comedian Michael Richards used it onstage in 2006 to put down hecklers.

Mr. Mooney even had strong opinions about himself.

“Whatever that thing is that white people like in Blacks, I don’t have it,” he wrote in his memoir. “Maybe it’s my arrogance or my self-assurance or the way I carry myself, but whatever it is, I don’t have it.”


In Praise of Melvyn Douglas

Melvyn Douglas was the man who made Garbo laugh. What most people remember about “Ninotchka” is that it was Greta Garbo’s first comedy they probably also remember that she plays a humorless Commie who comes to Paris on official business and a little while later begins to laugh for the first time in her life. Many people remember that she ends up wearing a hat that looks as if the milliner had taken a large, soggy Frito and wound it round a dented traffic cone on an upward diagonal. (Adrian designed it, presumably as an homage to Dr Seuss.) Garbo got the publicity, the headlines and the legend but it took Melvyn Douglas — ebullient, feckless, persistent Melvyn Douglas — to knock her seriousness into a cocked hat and make her roar with laughter.

Garbo Laughs! Melvyn Douglas hands Comrade Garbo a laugh in ‘Ninotchka.’

An irresistible force meets an immovable object. Greta Garbo and Melvyn Douglas meet cute in ‘Ninotchka.’

Conrad Veidt, Joan Crawford, Melvyn Douglas: Crawford’s torn between Satan and the sawbones.

In “Hud,” he played an aged Texas rancher whose cattle have contracted hoof and mouth disease and must be destroyed. The old man insists on killing his prize longhorns himself, an almost unbearable sorrow for him. Before he raises his rifle, he says, “Lord, but I have chased them longhorns many a mile. I don’t even know if I kann kill ’em . . . But . . . I guess I can.” Douglas’ reading of the line doesn’t ignore or avoid its belles-lettres-in-chaps quality, nor does he stress its poetry he speaks the words simply and sadly, and makes the phrasing sound utterly natural but richer in meaning it’s plain, but more eloquent, more resonant than everyday speech. Characteristically, he does not allow a single drop of sentimentality to bedew the line’s bitter pragmatism. You hear the echoes of the man’s entire life when Melvyn Douglas speaks those words.

In ‘Hud’ with Paul Newman. His first Oscar win.

In another beautiful sequence, he attends the picture show with his grandson, played by Brandon De Wilde. When they enter the little auditorium, the old man is sick at heart. He’s burdened with the knowledge that the only world he ever gave a damn about, and the only way of life he knows and trusts, have already vanished the lab results haven’t come back yet, but he has a sinking feeling that his cattle will have to be destroyed. He complains that he’s “wore out,” but it’s more serious than that: he’s ill and won’t get better what he’s got is going to kill him. When they sit down, the old man looks at all the young people around him and wonders aloud how young folks can be so foolish as to waste sixty-five cents to come here to “get their knees pinched,” when a hayloft is free. When the first featurette begins, it’s a follow-the-bouncing-ball sing-along of “Clementine.” It turns out that the leathery old cattleman loves to sing. He sings loudly, lustily and with a lofty indifference to accurate intonation. On each repeat of the chorus, he sings louder and more enthusiastically — he keeps getting ahead of the beat, and drowning out all the other people in attendance. You’d expect his sensitive, painfully shy grandson to be in agonies of embarrassment at his grandfather’s stupendous lack of inhibition but Douglas’ raucous enjoyment is unstoppable, irresistible, triumphant it seems to fill the boy with admiration: the old-timer puts a higher value on the pleasure he gets from singing than on making a favorable impression on a pack of foolish youngsters who don’t have his magnificent zest for life or his lung power. De Wilde throws in with the old man, and sings for all he’s worth. He’s young and has his whole life ahead of him, but it’s the dying old man who knows how to have a good time. Douglas permits no sentimentality in this sequence, either if it were sentimental, it would be unbearable. It’s a very brief sequence, but Douglas fills it with radiant life. In its own small way, the scene is thrilling. Whenever I look at this scene, I think — Yes: this is an actor who really knew his business. He won his first Oscar for this performance.

Many years later, when he was 79 years old, he was nominated for his great performance in “Being There.” That same year, Justin Henry, who played the little boy in “Kramer vs. Kramer” was nominated in the same category. Douglas remarked, “The whole thing is absurd, my competing with an eight year old child.” Happily, Douglas won his second Oscar for his performance, and the absurdity was relegated to a footnote in Oscar history.

The grand old man in ‘Being There.’ Douglas’ second Oscar win.

In “Captains Courageous,” he plays a relatively small role for a star of his magnitude moreover, there are more hams in the picture than one could hope to find in a Smithfield slaughterhouse. Douglas doesn’t pull any cheesy tricks to draw attention to himself during the brief minutes he’s onscreen: instead, he acts the part with conviction and immediacy — in his performance, we see Mr Cheyne’s very carefully concealed inner life thrown into a riot of doubts and confusion we see him come to understand that all the certainties on which he based his conduct and set his priorities were not certainties at all, but rather, miscalculations that have brought his life to grief. But Douglas doesn’t appear to act any of this: he doesn’t present them to us with a series of carefully arranged hesitations, sighs, arched eyebrows, sweetly rueful smiles or any of the thousands of other sentimental acting tricks a lesser actor would put to use. He doesn’t even delude himself that Mr Cheyne’s crisis of the soul, as painful as it is, is the point of the story. He knows he’s of secondary — even tertiary — importance to the story: he knows he’s not the star of this coming-of-age picture: Freddie Bartholomew is. Yet Mr Cheyne’s agonies are acute they’re also terribly interesting and are an essential element to the story, so just hitting his marks, finding his light and being a good feed for the child star are not an option. It’s quite an acting challenge: Mr Cheyne must go through his terrible ordeal, yet he must do so without taking the focus of the picture off the kid. How does Douglas solve it? As I mentioned, he doesn’t act the crisis he doesn’t zeigen us what the man is going through: instead, he does precisely what Mr Cheyne would do: he approaches his problem systematically. Without losing any of his dignity, he quietly seeks advice and information from the captain who has turned his son into a man. He puts aside all questions of class and education — Mr Cheyne is not a snob — and as he talks to the old captain, Douglas lets us understand something of Mr Cheyne’s awakening, which we learn by reading the sorrows of his changing face. It’s an extraordinary performance, but it’s done with such finesse and understatement that very few ever realize the amount of skill, discretion and exquisite taste that went into its creation.

With Freddie Bartholomew in the final scene of ‘Captains Courageous.’

Nowadays, Melvyn Douglas seems to be considerably less familiar to audiences than Bogart, Cagney, Cooper, Gable, Grant, Tracy and some others. In my view, if he’s less familiar to modern audiences, it’s because he exists in a different category from all the other famous leading men. He was unquestionably an A-List Leading Man for many years — he costarred with the likes of Greta Garbo, Claudette Colbert, Joan Crawford, Cary Grant, Myrna Loy, Deanna Durbin, Paul Newman, Gene Hackman, Peter Sellers and virtually every other name-above-the-title star in Hollywood. As he aged, he became a superb character actor, and often those character parts were also leading roles. He continued to work in prestige pictures until the end of his long life. His career lasted fifty years, and for most of them, he was a major star. His career endured and carried on through all the post-Studio Era upheavals better than any of his contemporaries (including the supremely gifted Bette Davis, who made very few worthwhile pictures after 1950: not her fault, but there it is), partly because he aged well, like an excellent Burgundy, but mostly because (like Davis) he was always an actor first and a movie star second. And yet, for all his longevity and famous roles, he’s not always remembered by the sort of people who draw up numbered lists of the most popular/influential/important/famous Hollywood stars. Even at the peak of his popularity, I have the sense that his skill was such that audiences had come to expect him to give a fine performance, so that his excellence eventually became something of a foregone conclusion: only a bad performance would have attracted critical attention, and that’s the one kind of performance Melvyn Douglas didn’t give.

Critics are constantly saying that Cary Grant’s special gift was his ability to make everything look so easy, as if he weren’t acting at all. I think Cary Grant acts far too much — at his best, he pleases and amuses me, but I just about never believe a word he says: he’s too busy pulling faces and doing bits. But then there’s Melvyn Douglas, who nearly always makes you forget he’s acting. He was a very big star and had a commanding presence, but he wasn’t a show-off. All of his best qualities are the opposite of showy histrionics: he doesn’t stammer like Jimmy Stewart, arch his eyebrows like Joan Crawford, gulp like Gary Cooper, squinch up the sides of his mouth like Clark Gable, pull faces like Cary Grant, insert “naturalistic” pauses like Spencer Tracy, or rely on any other mannerisms to remind us that we’re watching Melvyn Douglas give a Great Acting Performance: his only trick is to beguile us into believing he is the character he’s playing. There’s the effortless ease of his delivery, which is almost too smoothly eloquent and well-spoken to be credible, yet is nevertheless completely natural there’s his technical skill, which is so masterful that it’s nearly always invisible. Perhaps most amazing is his ability to play every style, genre, historical period with equal success (one wouldn’t question his presence at the trial of Socrates for a second, but imagine Gable, Cooper, Tracy or God forbid, Duke Wayne in that setting!). If he doesn’t get as much credit as he deserves, it’s because he’s too real, too perfectly believable, to call attention to his virtuosity. It is only when you look at the list of his credits that he becomes an astonishment. As an actor, I rank him in the same category as Claude Rains and Walter Huston, which is to say, I’m prepared to see him act in the worst rubbish just to watch how his superb aplomb gets him through the wretched stuff without mussing his hair or unsharpening the perfect crease in his trousers. You only have to see him come through a rotten picture like “A Woman’s Face” with his dignity intact to know what I’m talking about.

Melvyn Douglas in his leading man days.

Of all the first-rate all-round leading men of the Studio Era, Melvyn Douglas gets my vote for finest and most versatile. He played debonair heroes, suave bounders, champagne-swilling boulevardiers, sober surgeons, likeable cads, tough-minded businessmen, amused husbands, aggrieved fathers, put-upon architects, resilient dupes, learned judges, grizzled seamen, sozzled swells, steely generals, shifty plutocrats, noble ranchers, incorruptible authoritarians, and even average fellows (his average fellows were always, by virtue of the man himself, well above average, though he was a fine enough actor to make them seem believably “average”: he was the average man’s dream of himself). Every one of these parts he played with authority, distinction, style, grace, wit and above all finesse. Bravo, Melvyn Douglas!


--> Muni, Paul, 1895-1967

Paul Muni (Mehilem Weisenfreund), actor of stage and screen, was born in Austria on September 22, 1895.

Muni's early career on the American stage was in the Yiddish theater where he acted under the name Muni Weisenfreund. His first role was in the production TWO CORPSES AT BREAKFAST in 1908. During the years 1908 through 1926 he toured in Yiddish theater productions becoming a member of the Yiddish Art Theatre in 1918. Paul Muni married Bella Finkel an actress of the Yiddish theater on May 8, 1921.

In 1926 he played Morris Levine in the play WE AMERICANS followed in 1927 by the play FOUR WALLS. In 1930 he began using the name Paul Muni. Plays he starred in after that date include COUNSELLER-AT-LAW, KEY LARGO, A FLAG IS BORN, THEY KNEW WHAT THEY WANTED, DEATH OF A SALESMAN and INHERIT THE WIND for which he won a Tony Award. Muni was also a successful motion picture actor, appearing in many notable Hollywood films including SCARFACE, I AM A FUGITIVE FROM A CHAIN GANG, BLACK FURY, DR. SOCRATES, THE STORY OF LOUIS PASTEUR, for which he won an Oscar in 1936, THE GOOD EARTH, THE WOMAN I LOVE, THE LIFE OF EMILE ZOLA, WE ARE NOT ALONE, COMMANDOS STRIKE AT DAWN and THE LAST ANGRY MAN.

Paul Muni had a great interest in the plight of European Jews and this can be seen in the correspondence with his friends and professional contacts. He starred in Ben Hecht's pageant A FLAG IS BORN which rallied support for Israel. Paul Muni died in California on August 25, 1967.

From the description of Paul Muni papers, ca. 1920-1967. (New York Public Library). WorldCat record id: 122517216

Paul Muni (Mehilem Weisenfreund), actor of stage and screen, was born in Austria on September 22, 1895. Muni's early career on the American stage was in the Yiddish theater where he acted under the name Muni Weisenfreund. His first role was in the production Two Corpses at Breakfast in 1908. During the years 1908 through 1926 he toured in Yiddish theater productions becoming a member of the Yiddish Art Theatre in 1918. Paul Muni married Bella Finkel an actress of the Yiddish theater on May 8, 1921.

In 1926 he played Morris Levine in the play We Americans followed in 1927 by the play Four Walls . In 1930 he began using the name Paul Muni. Plays he starred in after that date include Counseller-At-Law, Key Largo, A Flag Is Born, They Knew What They Wanted, Death of a Salesman and Inherit the Wind for which he won a Tony Award.

Muni was also a successful motion picture actor, appearing in many notable Hollywood films including Scarface, I Am A Fugitive From a Chain Gang, Black Fury, Dr. Socrates, The Story of Louis Pasteur for which he won an Oscar in 1936, The Good Earth, The Woman I Love, The Life of Emile Zola, We Are Not Alone, Commandos Strike At Dawn and The Last Angry Man .

Paul Muni had a great interest in the plight of European Jews and this can be seen in the correspondence with his friends and professional contacts. He starred in Ben Hecht's pageant A Flag Is Born which rallied support for Israel. Paul Muni died in California on August 25, 1967.

From the guide to the Paul Muni papers, circa 1920-1967, (The New York Public Library. Billy Rose Theatre Division.)


Schau das Video: Starring Paul Muni - Criterion Channel Teaser (Januar 2022).