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„The Graduate“ eröffnet in New York


Der Film Der Absolvent wird in zwei Theatern in New York eröffnet: dem Coronet an der Third Avenue und dem Lincoln Art Theatre am Broadway. Der Film, der auf einem Roman von Charles Webb aus dem Jahr 1963 basiert, hatte eine einfache Prämisse: Wie der Drehbuchautor es erklärte, "dieser Junge macht seinen College-Abschluss, hat eine Affäre mit dem besten Freund seiner Eltern und verliebt sich dann in die Tochter des Freundes." (Es war, fügte er hinzu, „die beste Tonhöhe, die ich je gehört habe.“) Mit anderen Worten: Der Absolvent war eine unbehagliche Erforschung dessen, was es bedeutete, in einer Zeit außergewöhnlicher Verwirrung und Umwälzungen jung und geistesabwesend zu sein. Anne Bancroft und Dustin Hoffman spielten die Hauptrollen.

Der Film war ein Hit: Der New Yorker nannte es „den größten Erfolg in der Geschichte des Films“, während Der Samstagsrückblick sagte, es sei „nicht nur ein Erfolg; es ist ein Phänomen geworden.“ In den ersten sechs Monaten, in denen er auf der Leinwand war, verdiente er 35 Millionen US-Dollar (im Gegensatz dazu kostete die Herstellung nur 3 Millionen US-Dollar) und wurde der umsatzstärkste Film des Jahres 1968.

Der Film machte auch aus dem Abschlussgeschenk von Benjamin Braddock einen Star: einen knallroten Alfa Romeo Duetto Spider. Alfa Romeo hatte jahrzehntelang Rennwagen gebaut – sogar Enzo Ferrari fuhr einen Alfa, bevor er begann, seine eigenen Rennwagen zu bauen –, hatte jedoch nie sehr viele in den Vereinigten Staaten verkauft. (Amerikanische Kunden bevorzugten größere Autos, und wenn sie kleinere Sportwagen kauften, kauften sie diese eher von britischen Herstellern wie MG und Triumph.) Aber der Duetto Spider von 1967, ein zweisitziger Cabrio-Roadster, war eine echte Schönheit: Er hatte eine scharfe Nase und ein abgerundetes, sich verjüngendes Heck, verglaste Scheinwerfer und eine von den Designern so genannte „klassische Jakobsmuschel“ an der Seite.


Namen von New York: Die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Stadt anhand ihrer Ortsnamen entdecken

In Ortsnamen liegen Geschichten. Das ist die Wahrheit, die animiert Namen von New York, eine faszinierende Reise durch die Namen der Straßen und Parks, Bezirke und Brücken, Spielplätze und Viertel der Stadt. Joshua Jelly-Schapiro erforscht die Macht der Benennung, Erfahrungen und unser Ortsgefühl zu prägen, und verfolgt die Wege, auf denen einheimische Lenape, niederländische Siedler, britische Invasoren und aufeinanderfolgende Einwanderungswellen ihre Spuren auf der Karte der Stadt hinterlassen haben. Er legt die Wurzeln vieler Namen aus, von Brooklyn bis Harlem, die weltweit ikonische Bedeutung erlangt haben. Er trifft die letzten lebenden Sprecher von Lenape, besucht die vergessenen Inseln des Hafens und verweilt an Straßenecken, die nach Ballspielern und Heiligen benannt sind. Da Neuankömmlinge immer neue Wege finden, New Yorks Viertel zu ihrem eigenen zu machen, fungieren die Namen, die auf den Straßen der Stadt haften, nicht nur als Portale, um die Vergangenheit zu erkunden, sondern auch als Mittel, um neu zu denken, was jetzt möglich ist.

Joshua Jelly-Schapiro ist ein Geograph und Schriftsteller, dessen Bücher enthalten: Inselbewohner: Die Karibik und die Welt und (mit Rebecca Solnit) Nonstop Metropolis: Ein Atlas von New York City. Ein regelmäßiger Beitrag zu Die New Yorker Buchbesprechung, seine Arbeit erscheint auch in Der New Yorker, Die New York Times, und Harper's Magazine, neben vielen anderen Veröffentlichungen. Er ist Scholar in Residence am Institute for Public Knowledge der NYU, wo er lehrt.

Gesprächspartner: Ross Perlin ist Co-Direktor der Endangered Language Alliance und der 2021-22 Robert D.L. Gardiner Fellow am Gotham Center, Abschluss der ersten großen Sprachgeschichte von New York City. Garnette Cadogan ist 2020-2021 Harry W. Porter, Jr. Distinguished Visiting Professor an der School of Architecture der University of Virginia, wo er auch Fellow am Institute for Advanced Studies in Culture ist.


Charles Webb, schwer fassbarer Autor von "The Graduate", stirbt im Alter von 81 Jahren

Sein Roman wurde zu einem bahnbrechenden Film, aber er war mit seinem Erfolg nie zufrieden und entschied sich dafür, in Armut zu leben.

Charles Webb, der 1963 den Roman "The Graduate" schrieb, der die Grundlage für den erfolgreichen Film von 1967 war, und dann Jahrzehnte damit verbrachte, vor seinem Erfolg zu fliehen, starb am 16. Juni in East Sussex, England. Er war 81.

Ein Sprecher seines Sohnes John bestätigte den Tod in einem Krankenhaus, nannte aber keine Ursache.

Mr. Webbs Roman, der kurz nach dem College geschrieben wurde und weitgehend auf seiner Beziehung zu seiner Frau Eve Rudd basiert, wurde unter der Regie von Mike Nichols und mit Dustin Hoffman und Anne Bancroft zu einem bahnbrechenden Film, der der Jugend einer Generation eine Stimme gab Ablehnung des Materialismus. Mr. Webb und seine Frau, beide in Privilegien geboren, trugen diese Ablehnung weit über die Jugend hinaus, entschieden sich dafür, in Armut zu leben und verschenkten alles Geld, das ihnen in die Quere kam, auch wenn der Erfolg des Films ihnen weiterhin folgte.

"Mein ganzes Leben wurde daran gemessen", sagte er der britischen Zeitung The Telegraph im Jahr 2007, als das Paar in einem tristen Hotelzimmer lebte, das von britischen Sozialdiensten bezahlt wurde.

Mr. Webb veröffentlichte acht Bücher, darunter eine Fortsetzung von „The Graduate“, „Home School“ (2007), in denen die Hauptfiguren Benjamin und Elaine erwachsen werden und ihre Kinder selbst unterrichten. Er habe zugestimmt, es nur zu veröffentlichen, um eine 30.000-Pfund-Schuld zu begleichen, sagte Jack Malvern, ein Reporter der Times of London, der mit Mr. Webb befreundet war und bei diesem Geschäft half.

"Er hatte eine sehr seltsame Beziehung zu Geld", sagte Caroline Dawnay, die Anfang der 2000er Jahre kurzzeitig Mr. Webbs Agentin war, als sein Roman "New Cardiff" 2003 in den Film "Hope Springs" mit Colin Firth aufgenommen wurde. „Er wollte nie welche. Er hatte eine anarchistische Sicht auf die Beziehung zwischen Menschlichkeit und Geld.“

Er verschenkte Häuser, Gemälde, sein Erbe, sogar seine Tantiemen aus „The Graduate“, das nach dem Erfolg des Films zu einem Millionenseller wurde, zugunsten der Anti-Defamation League. Seine 10.000-Pfund-Auszahlung aus „Hope Springs“ vergab er als Preis an einen Performance-Künstler namens Dan Shelton, der sich selbst in einem Pappkarton an die Tate Modern geschickt hatte.

Bei seiner zweiten Hochzeit mit Frau Rudd – sie heirateten 1962, ließen sich 1981 scheiden, um gegen die Institution der Ehe zu protestieren, und heirateten dann um 2001 aus Einwanderungsgründen wieder – gab er seiner Braut keinen Ring, weil er Schmuck missbilligte. Frau Dawnay, die einzige Zeugin außer zwei Fremden, die auf der Straße ankamen, erinnerte sich, dass das Paar für die Zeremonie 15 Meilen zum Standesamt gelaufen war und die einzige Kleidung trug, die sie besaßen.

Viele Leute begrüßen momentan die Idee, das Rattenrennen zu verlassen, wie die Charaktere in "The Graduate". Mr. Webb und Ms. Rudd taten es mit allen Konsequenzen, die es mit sich brachte. Wenn sie die Wahl bereuten, sagten sie es nicht.

„Wenn dir das Geld ausgeht, ist das eine reinigende Erfahrung“, sagte Webb der Times of London, nachdem das Paar nach England gezogen war. "Es fokussiert den Geist wie nichts anderes."

Charles Richard Webb wurde am 9. Juni 1939 in San Francisco geboren und wuchs in Pasadena, Kalifornien, auf. Sein Vater, Dr. Der Absolvent.“ (Charles beschrieb seine Beziehung zu seinem Vater als „ziemlich schlecht“.) Seine Mutter, Janet Farrington Webb, war, sagte er, eine Prominente und ein begeisterter Leser, von dem er „immer nach Krümel der Anerkennung suchte“. Er sagte, "The Graduate" sei ein Versuch, ihre Gunst zu gewinnen, aber es ging entschieden schief.

Ein jüngerer Bruder, Sidney Farrington Webb, wurde Arzt in Las Cruces, N.M.

Charles ging auf ein Internat und dann auf das Williams College in Massachusetts, wo er 1961 einen Abschluss in amerikanischer Geschichte und Literatur machte. Er sagte, seine Schulen seien für ihn „auf der Grundlage ihres Aussehens ausgewählt“ worden. Als mittelmäßiger Student schaffte er es dennoch, ein zweijähriges Schreibstipendium zu gewinnen, mit dem er "The Graduate" schrieb.

Während seiner Zeit bei Williams lernte er Frau Rudd, eine Studentin des Bennington College, kennen. Sie war eine ehemalige Debütantin aus einer böhmischen Lehrerfamilie – ihr Bruder war der Avantgarde-Jazzposaunist Roswell Rudd – und beide lehnten die bürgerliche Welt ihrer Familien ab. Ihr erstes Date, erzählten sie Interviewern, war auf einem Friedhof.

Ihre Romanze und die Missbilligung ihrer Mutter gegen ihn wurden zur Grundlage für "The Graduate". Die Inspiration für die Figur Mrs. Robinson, die den jungen Benjamin verführt, könnte von einem Freund seiner Eltern stammen, den er versehentlich nackt gesehen hat.

Bei einer Rezension des Buches in der Times nannte Orville Prescott es einen "fiktiven Misserfolg", verglich seinen Protagonisten jedoch positiv mit Holden Caulfield von "The Catcher in the Rye".

Mit seiner murmelnden Langeweile und Gesprächen, die sich nicht verbinden, fängt der Roman den Moment ein, kurz bevor die verdrängte Eisenhower-Ära in die Technicolor-Sechzigerjahre hinein blüht. Die Charaktere sind nicht idealistisch, sie suchen nach Idealen, ihre Flucht vor den Werten und Lebensstilen ihrer Eltern ist eher einsam als kollektiv. Auf den letzten Seiten sitzen Benjamin und Elaine allein in einem Bus, erschüttert in eine für sie undurchsichtige Zukunft. Hallo Dunkelheit mein alter Freund.

So begann die bilderstürmerische Reise von Charles und Eva, die später den Einzelnamen Fred annahmen, solidarisch mit einer Selbsthilfegruppe für Männer mit geringem Selbstwertgefühl. Trotz der Intervention ihrer Eltern heiratete das Paar, verkaufte später seine Hochzeitsgeschenke an die Gäste und spendete das Geld für wohltätige Zwecke.

"Ihre Hochzeit war ein völliger Widerspruch zu ihrem Lebensweg", sagte Priscilla Rudd Wolf, Eves Schwester, in einer E-Mail. „Es war eine große Hochzeit, meine Schwester trug ein weißes Brautkleid, ich war Trauzeugin. Es war in der Salisbury School Chapel, wo meine Eltern unterrichteten, und die ganze Stadt war da.“ Sie fügte hinzu: „Sie schienen ein typisches rein amerikanisches Paar zu sein, das ein typisches rein amerikanisches Leben führte. Aber das sollte nicht sein."

Das Ablegen ihrer Besitztümer wurde zu einer Vollzeit-Mission. Sie verschenkten einen kalifornischen Bungalow, das erste von drei Häusern, das sie aufgeben würden, und sagten, dass es sie bedrücke, Dinge zu besitzen.

Mr. Webb lehnte sein Erbe von der Familie seines Vaters ab, konnte aber das Geld seiner Mutter nicht ablehnen, also verschenkten sie es zusammen mit Kunstwerken von Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Robert Rauschenberg.

Als die 1960er Jahre blühten, unterzog sich das Paar einer Gestalttherapie. Fred, ein Maler, veranstaltete als feministisches Statement eine nackte One-Woman-Show. Sie rasierte sich den Kopf – um, sagte sie, die drückenden Anforderungen des weiblichen Schmucks abzulegen.

Sie zogen nach Kalifornien und dann zurück nach Osten in ein baufälliges Haus in Hastings-on-Hudson, N.Y., im Westchester County, und bekamen zwei Söhne, John und David.

Mr. Webb folgte auf „The Graduate“ mit „Love, Roger“ (1969) und „The Marriage of a Young Stockbroker“ (1970), die Lawrence Turman, der „The Graduate“ produzierte, in einen Film mit Richard Benjamin verwandelte. Es verpuffte. Kritiker verglichen seine späteren Bücher ungünstig mit seinem Debüt.

Er weigerte sich, Signierstunden zu machen, sagte Frau Dawnay und betrachtete sie als „Sünde gegen den Anstand“.

In den späten 1970er Jahren zog das Paar zurück an die Westküste und nahm ihre Söhne aus der Schule, um sie zu Hause zu unterrichten, was zu dieser Zeit nicht genehmigt wurde. Also zog die Familie um, lebte einmal in einem Volkswagen-Bus und fuhr von einem Campingplatz zum anderen. In einem Interview mit der Washington Post 1992 nannte John Webb diesen Teil seiner Ausbildung „unschooling“.

Charles Webb hatte untergeordnete Jobs: Angestellter bei einem Kmart, umherziehender Landarbeiter, Hausputzer. Das Paar war Hausmeister in einer FKK-Kolonie in New Jersey und verdiente 198 Dollar pro Woche.

Mr. Webb beschwerte sich darüber, an „The Graduate“ gebunden zu sein, aber in den frühen 1990er Jahren schrieb er eine Fortsetzung, „Gwen“, die von Benjamins und Elaines Tochter erzählt wurde. Benjamin arbeitet in einem Kmart und als Hausmeister an seiner alten Schule und findet seine Befreiung, indem er seine materiellen Insignien aufgibt, um anderen zu dienen.

„Gwen“ wurde nie veröffentlicht Mr. Webb ging fast 25 Jahre zwischen den Büchern vor „New Cardiff“ im Jahr 2001.

Zu diesem Zeitpunkt lebte das Paar in England – sie waren dorthin gezogen, sagte er, damit er versuchen konnte, eine englische Figur zu schreiben – und ihre Söhne waren erwachsen.

Frau Dawnay, die das Paar in Brighton besuchte, sagte, dass sie fast ohne Möbel und nur mit Kleidung zum Wechseln lebten. Obwohl „New Cardiff“ herzlich aufgenommen wurde, belebte es weder Mr. Webbs Karriere wieder, noch die von ihm veröffentlichte „Graduate“-Fortsetzung „Home School“.

Fred, die Frau von Herrn Webb, starb 2019, sagte Herr Malvern und ließ ihn ganz in Ruhe, obwohl er von seinen Söhnen überlebt wurde – David, ein Performance-Künstler, der einst eine Kopie von „The Graduate“ gekocht und mit Preiselbeersauce gegessen hat , und John, Direktor des Beratungs- und Forschungsunternehmens IHS Markit – und sein Bruder. Herr Malvern sagte, er wisse nicht, ob Herr Webb noch geschrieben habe.

Der Tod von Mr. Webb beendet ein jahrzehntelanges Experiment, das weniger ein Rückzug als ein Versuch war, die Bedingungen des Engagements zwischen Künstlern und der Welt zu ändern.

Wie er einmal gegenüber The Boston Globe sagte: „Das Lob der Öffentlichkeit für kreative Menschen ist eine Maske – eine Maske für Eifersucht oder Hass.“ Durch die verschiedenen Verzichtserklärungen des Paares sagte er: „Wir hoffen, deutlich machen zu können, dass der kreative Prozess wirklich ein Abwehrmechanismus von Künstlern ist – dass Kreativität keine romantische Vorstellung ist.“


Die Geschichte unserer Gründung


1844 gründete George Williams den YMCA.

1844 war das industrialisierte London ein Ort großer Aufruhr und Verzweiflung. Für die jungen Männer, die aus ländlichen Gegenden in die Stadt einwanderten, um Arbeit zu finden, bot London eine trostlose Landschaft mit Mietskasernen und gefährlichen Einflüssen.

Der 22-jährige George Williams, ein Bauer, der zum Kaufmannskaufmann wurde, war beunruhigt über das, was er sah. Zusammen mit elf Freunden organisierte er die erste Young Men’s Christian Association (YMCA), eine Zuflucht zum Bibelstudium und zum Gebet für junge Männer, die den Gefahren des Straßenlebens entfliehen möchten.

Obwohl eine Vereinigung junger Männer, die sich zu einem gemeinsamen Ziel trafen, nichts Neues war, bot das Y für seine Zeit etwas Einzigartiges. Das Bestreben der Organisation, soziale Bedürfnisse in der Gemeinde zu befriedigen, war überzeugend, und ihre Offenheit für Mitglieder überschritt die starren Grenzen zwischen den englischen sozialen Schichten.


Die Geschichte unserer Gründung


1844 gründete George Williams den YMCA.

1844 war das industrialisierte London ein Ort großer Aufruhr und Verzweiflung. Für die jungen Männer, die aus ländlichen Gegenden in die Stadt einwanderten, um Arbeit zu finden, bot London eine trostlose Landschaft mit Mietskasernen und gefährlichen Einflüssen.

Der 22-jährige George Williams, ein Bauer, der zum Kaufmannskaufmann wurde, war beunruhigt über das, was er sah. Zusammen mit elf Freunden organisierte er die erste Young Men’s Christian Association (YMCA), eine Zuflucht zum Bibelstudium und zum Gebet für junge Männer, die den Gefahren des Straßenlebens entfliehen möchten.

Obwohl eine Vereinigung junger Männer, die sich zu einem gemeinsamen Ziel trafen, nichts Neues war, bot das Y für seine Zeit etwas Einzigartiges. Das Bestreben der Organisation, soziale Bedürfnisse in der Gemeinde zu befriedigen, war überzeugend, und ihre Offenheit für Mitglieder überschritt die starren Grenzen zwischen den englischen sozialen Klassen.


Inhalt

Hintergrund bearbeiten

Nach dem Paramount-Fall (der Blockbuchungen und den Besitz von Theaterketten durch Filmstudios beendete) und dem Aufkommen des Fernsehens, die beide das traditionelle Studiosystem stark schwächten, nutzten Hollywood-Studios zunächst Spektakel, um ihre Rentabilität zu wahren. Technicolor entwickelte eine weit verbreitetere Verwendung, während Breitbildverfahren und technische Verbesserungen wie CinemaScope, Stereoton und andere wie 3D erfunden wurden, um das schwindende Publikum zu halten und mit dem Fernsehen zu konkurrieren. Diese waren jedoch in der Regel nicht erfolgreich in der Gewinnsteigerung. [2] Bis 1957 Leben Magazin nannte die 1950er Jahre "das schreckliche Jahrzehnt" für Hollywood. [3]

In den 1950er und frühen 1960er Jahren wurde ein Hollywood von Musicals, historischen Epen und anderen Filmen dominiert, die von den größeren Leinwänden, dem breiteren Rahmen und dem verbesserten Ton profitierten. Daher wurde die Ära bereits 1957 als "New Hollywood" bezeichnet. [3] Die Zuschauerzahlen gingen jedoch weiter zurück und erreichten Mitte der 1960er Jahre ein alarmierend niedriges Niveau. Mehrere kostspielige Flops, darunter Tora! Tora! Tora! und Hallo Dolly!, und gescheiterte Versuche, den Erfolg von Der Klang von Musik, die Studios stark belasten. [4]

Als die Babyboomer-Generation in den 1960er Jahren erwachsen wurde, verlor "Old Hollywood" rapide Geld und die Studios waren sich nicht sicher, wie sie auf die stark veränderte Zielgruppendemografie reagieren sollten. Der Markt änderte sich in diesem Zeitraum von einem Publikum mittleren Alters mit High-School-Bildung Mitte der 1960er Jahre zu einer jüngeren, wohlhabenderen Zielgruppe mit Hochschulbildung: Mitte der 1970er Jahre waren 76 % aller Kinobesucher unter 30 Jahre alt , von denen 64 % ein College besucht hatten. [5] Sowohl europäische Arthouse- als auch kommerzielle Filme (insbesondere die Commedia all'italiana, die französische Neue Welle, der Spaghetti Western) und das japanische Kino machten in den Vereinigten Staaten Furore – der riesige Markt der unzufriedenen Jugend schien Relevanz zu finden und künstlerische Bedeutung in Filmen wie dem von Michelangelo Antonioni Explosion, mit seiner schrägen Erzählstruktur und der vollfrontalen weiblichen Nacktheit. [6] [7]

Die Verzweiflung der Studios in dieser Zeit des wirtschaftlichen Abschwungs und nach den Verlusten durch teure Filmflops führte zu Innovation und Risikobereitschaft, was jüngeren Regisseuren und Produzenten eine größere Kontrolle ermöglichte. [8] Um das Publikum, das eine Verbindung zu den "Kunstfilmen" Europas fand, einzufangen, stellten die Studios daher eine Reihe junger Filmemacher ein (von denen einige von Roger Corman betreut wurden) und erlaubten ihnen, ihre Filme zu drehen mit relativ wenig Studiosteuerung. Dies, zusammen mit der Auflösung des Production Code im Jahr 1966 und dem neuen Bewertungssystem im Jahr 1968 (das eine wachsende Marktsegmentierung widerspiegelt) bildeten die Grundlage für New Hollywood. [9]

Bonnie und Clyde Bearbeiten

Ein prägender Film der New-Hollywood-Generation war Bonnie und Clyde (1967). [10]

Produziert von und mit Warren Beatty in der Hauptrolle und inszeniert von Arthur Penn, war seine Kombination aus grafischer Gewalt und Humor sowie das Thema einer glamourösen, unzufriedenen Jugend ein Publikumserfolg. Der Film gewann Oscars für die beste Nebendarstellerin (Estelle Parsons) [11] und die beste Kamera. [12] [13]

Als Jack L. Warner, damaliger CEO von Warner Bros., zum ersten Mal einen groben Schnitt von Bonnie und Clyde im Sommer 1967 hasste er es. Die Vertriebsleiter von Warner Brothers stimmten zu und gaben dem Film eine zurückhaltende Premiere und eine begrenzte Veröffentlichung. Ihre Strategie schien gerechtfertigt, als Bosley Crowther, mittelständischer Filmkritiker bei Die New York Times, gab dem Film eine vernichtende Kritik. "Es ist ein billiges Stück glatzköpfiger Slapstick-Komödie", schrieb er, "das die abscheulichen Verwüstungen dieses schäbigen, schwachsinnigen Paares behandelt, als wären sie so voller Spaß und Ausgelassenheit wie die Cut-ups im Jazz-Zeitalter in Durch und durch moderne Millie. "Andere Mitteilungen, einschließlich derer von Zeit und Nachrichtenwoche Zeitschriften, waren ebenso abweisend. [14]

Seine Darstellung von Gewalt und Ambiguität in Bezug auf moralische Werte und sein verblüffendes Ende spalteten die Kritiker. Nach einer der negativen Bewertungen, Zeit Zeitschrift erhielt Briefe von Fans des Films, und laut dem Journalisten Peter Biskind, der Einfluss der Kritikerin Pauline Kael auf ihre positive Kritik des Films (Oktober 1967, New-Yorker) veranlasste andere Rezensenten, ihrem Beispiel zu folgen und den Film neu zu bewerten (insbesondere Nachrichtenwoche und Zeit). [15] Kael machte auf die Unschuld der Charaktere im Film und den künstlerischen Wert des Kontrasts zwischen dieser und der Gewalt im Film aufmerksam: „In gewisser Weise ist es die Abwesenheit von Sadismus – es ist die Gewalt ohne Sadismus – das bringt das Publikum aus dem Gleichgewicht Bonnie und Clyde. Die Brutalität, die aus dieser Unschuld hervorgeht, ist weitaus schockierender als die kalkulierten Brutalitäten gemeiner Killer." Naivität und Unschuld spiegeln eine veränderte Erwartungshaltung an das amerikanische Kino wider.[16]

Die Titelgeschichte in Zeit Magazin im Dezember 1967 feierte den Film und die Innovation im amerikanischen New-Wave-Kino. Dieser einflussreiche Artikel von Stefan Kanfer behauptete, dass Bonnie und Clyde ein "Neues Kino" durch seine verschwommenen Genregrenzen und die Missachtung ehrenvoller Aspekte von Handlung und Motivation darstellte, und dass "sowohl in der Konzeption als auch in der Ausführung, Bonnie und Clyde ist ein Wendepunktbild, die Art, die einen neuen Stil, einen neuen Trend signalisiert." [7] Biskind erklärt, dass diese Überprüfung und Umkehrung durch einige Kritiker eine Wiederveröffentlichung des Films ermöglichte, was seinen kommerziellen Erfolg bewies und den Wechsel zu New Hollywood [17] Die Wirkung dieses Films ist wichtig für das Verständnis des Rests der amerikanischen New Wave sowie der dafür notwendigen Bedingungen.

Diese ersten Erfolge ebneten dem Studio den Weg, die Kontrolle an diese innovativen jungen Filmemacher nahezu vollständig abzugeben. Mitte der 1970er Jahre entstanden eigenwillige, verblüffende Originalfilme wie Papiermond, Hund Tag Nachmittag, Chinatown, und Taxifahrer unter anderem einen enormen kritischen und kommerziellen Erfolg. Diese Erfolge der Mitglieder von New Hollywood führten dazu, dass jeder von ihnen der Reihe nach immer extravagantere Anforderungen sowohl an das Studio als auch letztendlich an das Publikum stellte.

Diese neue Generation von Hollywood-Filmemachern war aus Sicht der Studios vor allem jung und konnte daher das jugendliche Publikum erreichen, das sie verloren hatten. Diese Gruppe junger Filmemacher - Schauspieler, Schriftsteller und Regisseure - von der Presse als "New Hollywood" bezeichnet, veränderte das Geschäft kurzzeitig vom produzentengetriebenen Hollywood-System der Vergangenheit.

Todd Berliner hat über die ungewöhnlichen Erzählpraktiken dieser Zeit geschrieben. Die 1970er Jahre, sagt Berliner, markieren Hollywoods bedeutendste formale Transformation seit der Umstellung auf Tonfilm und sind die entscheidende Zeit, die die Erzählweisen der Studioära und des zeitgenössischen Hollywoods trennt. Neue Hollywood-Filme weichen mehr von klassischen Erzählnormen ab als Hollywood-Filme aus jeder anderen Epoche oder Bewegung. Ihre erzählerischen und stilistischen Mittel drohen eine ansonsten geradlinige Erzählung zu entgleisen. Berliner argumentiert, dass fünf Prinzipien die Erzählstrategien bestimmen, die für Hollywood-Filme der 1970er Jahre charakteristisch sind:

  • Die Filme der Siebziger zeigen eine perverse Tendenz, in erzählerischer Beiläufigkeit Handlungsinformationen und Stilmittel zu integrieren, die den offenkundigen und wesentlichen narrativen Zwecken der Filme kontraproduktiv sind.
  • Hollywood-Filmemacher der 1970er Jahre verorten ihre filmischen Praktiken oft zwischen denen des klassischen Hollywoods und denen des europäischen und asiatischen Kunstkinos.
  • Filme aus den Siebzigern lösen bei den Zuschauern unsicherere und unangenehmere Reaktionen aus als die des typischen Hollywood-Kinos.
  • Die Erzählungen der Siebziger legen einen ungewöhnlichen Schwerpunkt auf Unentschlossenheit, besonders im Moment des Höhepunkts oder in Epilogen, wenn konventionellere Hollywood-Filme damit beschäftigt sind, lose Enden zu verbinden.
  • Das Kino der siebziger Jahre behindert die lineare und dynamische Erzählung und versenkt sein Potenzial, Spannung und Aufregung zu erzeugen. [18]

Thomas Schatz weist auf einen weiteren Unterschied zum Hollywood Golden Age hin, der sich mit dem Verhältnis von Charakteren und Handlung beschäftigt. Er argumentiert, dass die Handlung in klassischen Hollywood-Filmen (und einigen der früheren New-Hollywood-Filme wie Der Pate) „neigte dazu, in Abhängigkeit von den Trieben, Wünschen, Motivationen und Zielen der Hauptfiguren organischer zu erscheinen“. Ab Mitte der 1970er Jahre weist er jedoch auf einen Trend hin, dass "Charaktere zu Handlungsfunktionen wurden". [19]

Während der Blütezeit des Studiosystems wurden Filme fast ausschließlich am Set in isolierten Studios gedreht. Der Inhalt von Filmen wurde durch den Motion Picture Production Code eingeschränkt, und obwohl die Filmemacher des Goldenen Zeitalters Schlupflöcher in seinen Regeln fanden, wurde die Diskussion über mehr Tabu-Inhalte durch Film effektiv verhindert. Der Übergang zu einem "neuen Realismus" wurde ermöglicht, als das Filmbewertungssystem der Motion Picture Association of America eingeführt wurde und das Filmen vor Ort immer praktikabler wurde.

Aufgrund von Durchbrüchen in der Filmtechnologie (z. B. der 1972 eingeführten Panavision Panaflex-Kamera) konnten die New-Hollywood-Filmemacher relativ einfach 35-mm-Kamerafilme im Außenbereich drehen. Da Dreharbeiten vor Ort billiger waren (es müssen keine Sets gebaut werden), entwickelten neue Hollywood-Filmemacher schnell die Vorliebe für Dreharbeiten, was zu einem naturalistischeren Ansatz beim Filmemachen führte, insbesondere im Vergleich zu dem meist stilisierten Ansatz klassischer Hollywood-Musicals und -Spektakel, die mit denen konkurrieren sollen Fernsehen in den 1950er und frühen 1960er Jahren.

Beim Schnitt hielten die Filmemacher aus New Hollywood jedoch liberaler am Realismus fest als die meisten ihrer klassischen Hollywood-Vorgänger und verwendeten die Schnitte oft eher für künstlerische Zwecke als für die Kontinuität allein, eine Praxis, die von europäischen Kunstfilmen und klassischen Hollywood-Regisseuren wie DW Griffith und Alfred Hitchcock inspiriert wurde . Filme mit unkonventionellem Schnitt inklusive Easy Rider's Verwendung von Schnitt (beeinflusst von den Werken des experimentellen Collagen-Filmemachers Bruce Conner [20] [21] [22] ), um den Höhepunkt des Films vorwegzunehmen, sowie subtilere Verwendungen, wie z Bonnie und Clyde und die Subjektivität des Protagonisten in Der Absolvent. [23]

Das Ende des Produktionscodes ermöglichte es New Hollywood-Filmen, politische Themen gegen das Establishment, die Verwendung von Rockmusik und sexuelle Freiheit zu zeigen, die von den Studios als "gegenkulturell" eingestuft wurden. [24] Die Jugendbewegung der 1960er Jahre wurde zu Antihelden wie Bonnie und Clyde und Coole Hand Lukas in Popkultur-Idole, und Leben Magazin nannte die Charaktere in Easy Rider "Teil des grundlegenden Mythos, der für die Gegenkultur der späten 1960er Jahre zentral ist." [25] Easy Rider beeinflusste auch die Art und Weise, wie Studios versuchten, den Jugendmarkt zu erreichen. [25] Der Erfolg von Mitternachts-Cowboy, trotz X-Rating, war ein Beleg für das damalige Interesse an kontroversen Themen und zeigte auch die Schwäche des Bewertungssystems und der Segmentierung des Publikums. [26]

Für Peter Biskind war die neue Welle ein Vorbote von Bonnie und Clyde und begann ernsthaft mit Easy Rider. Biskinds Buch Leichte Reiter, wütende Bullen argumentiert, dass die New-Hollywood-Bewegung eine signifikante Verschiebung hin zu unabhängig produzierten und innovativen Werken einer neuen Welle von Regisseuren markierte, dass sich diese Verschiebung jedoch umkehrte, als der kommerzielle Erfolg von Kiefer und Krieg der Sterne führte dazu, dass Studios die Bedeutung von Blockbustern, Werbung und Produktionskontrolle erkannten. [27]

1968 schrieb die Kritikerin Pauline Kael, dass die Bedeutung der Der Absolvent war in seiner gesellschaftlichen Bedeutung in Bezug auf ein neues junges Publikum und die Rolle der Massenmedien eher als künstlerische Aspekte. Kael argumentierte, dass sich College-Studenten mit Der Absolvent unterschieden sich nicht allzu sehr von dem Publikum, das sich mit Charakteren in Dramen des letzten Jahrzehnts identifizierte. [28]

John Belton weist auf den demografischen Wandel hin zu einem noch jüngeren, konservativeren Publikum Mitte der 1970er Jahre (50 % im Alter von 12 bis 20 Jahren) und den Übergang zu weniger politisch subversiven Themen im Mainstream-Kino [29] hin, ebenso wie Thomas Schatz, der die Mitte der Ende der 1970er Jahre als Niedergang der Kunstkinobewegung als bedeutender Industriefaktor mit ihrem Höhepunkt in den Jahren 1974–75 mit Nashville und Chinatown. [30]

Geoff King sieht die Zeit als eine Übergangsbewegung im amerikanischen Kino, in der eine Verbindung der Kräfte zu einem Maß an Freiheit im Filmemachen führte [31] während Todd Berliner sagt, dass das Kino der 70er Jahre der Effizienz und Harmonie widersteht, die normalerweise das klassische Hollywood-Kino charakterisieren und die Grenzen austesten von Hollywoods klassischem Vorbild. [32]

Laut Autor und Filmkritiker Charles Taylor (Eröffnung am Mittwoch in einem Theater oder Autokino in Ihrer Nähe), erklärte er, dass „die 1970er Jahre die dritte – und bis heute letzte – große Periode im amerikanischen Film bleiben“. [33]

New Hollywood war nicht ohne Kritik wie in a Los Angeles Zeiten Artikel beschrieb die Filmkritikerin Manohla Dargis es als das "halcyon Age" des Filmemachens des Jahrzehnts, das "weniger Revolution als Business as usual, mit Rebellen-Hype" war. [34] Sie wies auch in ihr darauf hin New York Times Artikel, seine Enthusiasten bestanden darauf, dass dies "als amerikanische Filme aufwuchs (oder zumindest unterbekleidete Schauspielerinnen die Hauptrolle spielten), als Regisseure taten, was sie wollten (oder zumindest in Marken verwandelt wurden), als die Kreativität regierte (oder zumindest glorreich Amok lief, wenn auch oft auf". der Cent des Studios)." [35]

Diese Ära des amerikanischen Kinos wurde auch für ihre übermäßige Dekadenz und ihre Pannen am Set kritisiert. [36] [37]

Sogar Spielberg, der 1983er Co-Regie und Co-Produzent war Twilight Zone: Der Film mit John Landis, war so angewidert von dessen Umgang mit dem tödlichen Hubschrauberunfall, der zum Tod des Charakterdarstellers Vic Morrow und der Kinderdarsteller Myca Dinh Le und Renee Shin-Yi Chen führte, dass er ihre Freundschaft beendete und öffentlich das Ende von dieser Ära. Als er von der Presse wegen des Unfalls angesprochen wurde, sagte er: „Kein Film ist es wert, für den es sich lohnt zu sterben. Ich denke, die Leute stehen heute viel mehr denn je gegenüber Produzenten und Regisseuren auf, die zu viel verlangen. Wenn etwas nicht sicher ist, ist es das Recht und die Verantwortung jedes Schauspielers oder Crewmitglieds, „Schnitt!“ zu schreien. [38]

Die Filme von Steven Spielberg, Brian De Palma, Martin Scorsese und Francis Ford Coppola beeinflussten sowohl die Poliziotteschi-Genrefilme in Italien [39] als auch ein Jahrzehnt später die Cinéma du look-Bewegung in Frankreich. [40]

Das amerikanische exzentrische Kino wurde von dieser Ära beeinflusst. [41] Beide Traditionen haben ähnliche Themen und Erzählungen des Existentialismus und der Notwendigkeit menschlicher Interaktion. [41] New Hollywood konzentriert sich auf die dunkleren Elemente der Menschheit und der Gesellschaft im Kontext des amerikanischen Traums Mitte der 1960er bis Anfang der 1980er Jahre. [41] mit Themen, die soziokulturelle Fragen widerspiegelten und sich um die potenzielle Bedeutungslosigkeit der Verfolgung des amerikanischen Traums drehten, da Generation für Generation motiviert war, ihn zu besitzen. [41] Im Vergleich dazu hat American Eccentric Cinema keinen bestimmten Kontext, seine Filme zeigen sehr individuelle Charaktere und ihre Anliegen sind sehr charakteristisch für ihre eigene Persönlichkeit. [41]

Der Blick hinter die Kulissen einiger Filme aus dieser Zeit (Der Exorzist und Das Omen) waren auch die Themen für die Dokureihen Verfluchte Filme. [42] [43]


Der Master als neuer Bachelor

William Kleins Geschichte mag seinen Kommilitonen bekannt vorkommen. Nachdem er seinen Bachelor in Geschichte am College in Brockport gemacht hatte, lebte er im Haus seiner Eltern in Buffalo und arbeitete den gleichen Kellnerjob für 7,25 Dollar pro Stunde, den er in der High School hatte.

Es war nicht so, dass es da draußen keine anderen Jobs gab. Sie schienen alle mehr Bildung zu wollen. Selbst die Nachhilfe in einem gewinnorientierten Lernzentrum oder die Führung von Führungen an einer historischen Stätte erforderte einen Master. „Es ist ziemlich offensichtlich, dass es mit meinem jetzigen Abschluss nicht allzu viele Jobs gibt, auf die ich mich engagieren möchte“, sagt Klein.

In diesem Herbst wird er also seine Marktfähigkeit bei Rutgers' neuem Master-Studiengang in Jewish Studies (denken Sie an Lehre, Museen und Fundraising in der jüdischen Gemeinde) schärfen. Jüdische Studien sind vielleicht nicht das erste, was mir als Weg zum beruflichen Aufstieg in den Sinn kommt, und Herr Klein ist sich nicht sicher, wohin ihn das Studium führen wird (er würde gerne für die CIA im Nahen Osten arbeiten ). Aber er ist sich sicher: Er braucht einen Master. Durchsuchen Sie professionelle Stellenangebote und es ist "Bachelor erforderlich, Master bevorzugt".

Nennen Sie es Credential Inflation. Einmal verspottet als Trostpreis für das Scheitern eines Doktortitels. or just a way to kill time waiting out economic downturns, the master’s is now the fastest-growing degree. The number awarded, about 657,000 in 2009, has more than doubled since the 1980s, and the rate of increase has quickened substantially in the last couple of years, says Debra W. Stewart, president of the Council of Graduate Schools. Nearly 2 in 25 people age 25 and over have a master’s, about the same proportion that had a bachelor’s or higher in 1960.

“Several years ago it became very clear to us that master’s education was moving very rapidly to become the entry degree in many professions,” Dr. Stewart says. The sheen has come, in part, because the degrees are newly specific and utilitarian. These are not your general master’s in policy or administration. Even the M.B.A., observed one business school dean, “is kind of too broad in the current environment.” Now, you have the M.S. in supply chain management, and in managing mission-driven organizations. There’s an M.S. in skeletal and dental bioarchaeology, and an M.A. in learning and thinking.

The degree of the moment is the professional science master’s, or P.S.M., combining job-specific training with business skills. Where only a handful of programs existed a few years ago, there are now 239, with scores in development. Florida’s university system, for example, plans 28 by 2013, clustered in areas integral to the state’s economy, including simulation (yes, like Disney, but applied to fields like medicine and defense). And there could be many more, says Patricia J. Bishop, vice provost and dean of graduate studies at the University of Central Florida. “Who knows when we’ll be done?”

While many new master’s are in so-called STEM areas — science, technology, engineering and math — humanities departments, once allergic to applied degrees, are recognizing that not everyone is ivory tower-bound and are drafting credentials for résumé boosting.

“There is a trend toward thinking about professionalizing degrees,” acknowledges Carol B. Lynch, director of professional master’s programs at the Council of Graduate Schools. “At some point you need to get out of the library and out into the real world. If you are not giving people the skills to do that, we are not doing our job.”

This, she says, has led to master’s in public history (for work at a historical society or museum), in art (for managing galleries) and in music (for choir directors or the business side of music). Language departments are tweaking master’s degrees so graduates, with a portfolio of cultural knowledge and language skills, can land jobs with multinational companies.

So what’s going on here? Have jobs, as Dr. Stewart puts it, “skilled up”? Or have we lost the ability to figure things out without a syllabus? Or perhaps all this amped-up degree-getting just represents job market “signaling” — the economist A. Michael Spence’s Nobel-worthy notion that degrees are less valuable for what you learn than for broadcasting your go-get-’em qualities.

“There is definitely some devaluing of the college degree going on,” says Eric A. Hanushek, an education economist at the Hoover Institution, and that gives the master’s extra signaling power. “We are going deeper into the pool of high school graduates for college attendance,” making a bachelor’s no longer an adequate screening measure of achievement for employers.

Colleges are turning out more graduates than the market can bear, and a master’s is essential for job seekers to stand out — that, or a diploma from an elite undergraduate college, says Richard K. Vedder, professor of economics at Ohio University and director of the Center for College Affordability and Productivity.

Not only are we developing “the overeducated American,” he says, but the cost is borne by the students getting those degrees. “The beneficiaries are the colleges and the employers,” he says. Employers get employees with more training (that they don’t pay for), and universities fill seats. In his own department, he says, a master’s in financial economics can be a “cash cow” because it draws on existing faculty (“we give them a little extra money to do an overload”) and they charge higher tuition than for undergraduate work. “We have incentives to want to do this,” he says. He calls the proliferation of master’s degrees evidence of “credentialing gone amok.” He says, “In 20 years, you’ll need a Ph.D. to be a janitor.”

Among the new breed of master’s, there are indeed ample fields, including construction management and fire science and administration, where job experience used to count more than book learning. Internships built into many of these degrees look suspiciously like old-fashioned on-the-job training.

Walter Stroupe, a retired police first lieutenant and chairman of the department of criminal justice at West Virginia State University, acknowledges that no one needs to get the new master’s degree in law enforcement administration the school is offering beginning this fall. In fact, he concedes, you don’t even need a college degree in West Virginia to become a police officer, typically the first step to positions as sheriff and police chief.

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Still, Dr. Stroupe says, there are tricky issues in police work that deserve deeper discussion. “As a law enforcement officer, you can get tunnel vision and only see things from your perspective,” he says. “What does a police officer do when they go up to a car and someone is videotaping them on a cellphone?” The master’s experience, he hopes, will wrangle with such questions and “elevate the professionalism” among the police in the state.

These new degrees address a labor problem, adds David King, dean of graduate studies and research at the State University of New York at Oswego, and director of the Professional Science Master’s Program, which oversees P.S.M. degrees across the SUNY system.

“There are several million job vacancies in the country right now, but they don’t line up with skills,” he says. Each P.S.M. degree, he says, is developed with advisers from the very companies where students may someday work. “We are bringing the curriculum to the market, instead of expecting the market to come to us,” he says.

That’s why John McGloon, who manages the technical writing and “user experience” team at Welch Allyn, the medical device company, helped shape the master’s in human-computer interaction at Oswego. He says employers constantly fear hiring someone who lacks proper skills or doesn’t mesh. Having input may mean better job candidates. This summer, Mr. McGloon has three SUNY Oswego interns. “We plug them right into the team,” he says. “Not only can you gauge their training, you can judge the team fit, which is hard to do in an interview.”

While jobs at Welch Allyn may not require a master’s, the degree has been used as a sorting mechanism. After posting an opening for a technical writer, Mr. McGloon received “dozens and dozens” of résumés. Those in charge of hiring wondered where to start. “I said, ‘Half of our applicants have master’s. That’s our first cut.’ ”

Laura Georgianna, in charge of employee development at Welch Allyn, confirms that given two otherwise equal résumés, the master’s wins. A master’s degree “doesn’t guarantee that someone will be much more successful,” she says. “It says that this person is committed and dedicated to the work and has committed to the deep dive. It gives you further assurance that this is something they have thought about and want.”

The exposure to workplaces, and those doing the hiring, makes master’s programs appealing to students. “The networking has been unbelievable,” says Omar Holguin. His 2009 B.S. in engineering yielded only a job at a concrete mixing company. At the University of Texas, El Paso, which is offering a new master’s in construction management, he’s interning with a company doing work he’s actually interested in, on energy efficiency.

There may be logic in trying to better match higher education to labor needs, but Dr. Vedder is concerned by the shift of graduate work from intellectual pursuit to a skill-based “ticket to a vocation.” What’s happening to academic reflection? Must knowledge be demonstrable to be valuable?

The questions matter, not just to the world of jobs, but also to the world of ideas. Nancy Sinkoff, chairwoman of the Jewish studies department at Rutgers, says its master’s, which starts this fall, will position students for jobs but be about inquiry and deep learning.

“I would imagine in the museum world, I would want to hire someone with content,” she says hopefully. “To say, ‘I have a master’s in Jewish studies,’ what better credential to have when you are on the market?”

“This will make you more marketable,” she is convinced. “This is how we are selling it.”

Whether employers will intuit the value of a master’s in Jewish studies is unclear. The history department at the University of Central Florida has learned that just because a content-rich syllabus includes applied skills (and internships) doesn’t mean students will be hired. “Right now, yes, it’s very hard to get a job” with a master’s in public history, says Rosalind J. Beiler, chairwoman of the history department, noting that the downturn hurt employers like museums and historical societies.

The university is revamping its master’s in public history, a field that interprets academic history for general audiences, to emphasize new-media skills in the hopes of yielding more job placements. “That is precisely the reason we are going in that direction,” she says.

“Digital humanities,” as this broad movement is called, is leading faculty members to seek fresh ways to make history more accessible and relevant in their teaching and research. A professor of Middle Eastern history, for example, has made podcasts of local Iraqi war veterans in a course on the history of Iraq.

It may be uncomfortable for academia to bend itself to the marketplace, but more institutions are trying.

In what could be a sign of things to come, the German department at the University of Colorado, Boulder, is proposing a Ph.D. aimed at professionals. Candidates, perhaps with an eye toward the European Union, would develop cultural understanding useful in international business and organizations. It would be time-limited to four years — not the current “12-year ticket to oblivion,” says John A. Stevenson, dean of the graduate school. And yes, it would include study abroad and internships.

Dr. Stevenson sees a model here that other humanities departments may want to emulate.


Latest News:

New York State Court Officers Hockey Team Wins 2021 Heroes Cup
Sunday, June 13, 2021
New England Sports Center, Marlborough, Massachusetts


On Sunday, June 13, 2021 the members of the New York State Court Officers Hockey team won the 2021 Heroes Cup Championship. The Heroes Cup is a weekend-long charity hockey tournament that draws hundreds of law enforcement, military, veterans, fire, and emergency medical service hockey teams from across the country.

The New York State Court Officers Hockey Team is made up of court officers and court staff from courts across New York State. The team won its semifinal playoff game before ultimately triumphing in the 2021 Heroes Cup Division Championship Game. They compiled a 5-0 record as 2021 Heroes Cup Division Champion.

  • Paul Bahjour (Captain), Richmond County Criminal Court
  • Chris Biamonte, Nassau County Supreme Court
  • Joseph Burley, St. Lawrence County Court
  • Nick Cahill, Suffolk County Court
  • Matthew Coseo, Saratoga County Surrogate's Court
  • Joseph Gallagher, Bronx County Family Court
  • Rich Hahn, King's County Supreme Court Civil Term
  • Chris Heyne, Richmond County Supreme Court
  • Thomas Kenniff, United States Air Force
  • Brian Lynch (Alt. Captain), Suffolk County Court
  • John Mendocino, Kings County Supreme Court Criminal Term
  • Peter Nawrocki, Nassau County Family Court
  • Andrew Proler, Saratoga County Public Defender's Office
  • Nick Thorgersen, Richmond County Supreme Court Criminal Term

The New York State Court Officers Hockey Team was proud to represent both the Unified Court System and the Three Strohm Sisters Family Foundation founded by New York State Court Officer-Lieutenant Edward Strohm in its campaign for cancer research.

New Family Court Opens in New Rochelle
Thursday, June 10, 2021
26 Garden Street, New Rochelle


Photo: Ribbon cutting-center L to R, Judge Kathie E. Davidson and Westchester County Executive George Latimer

On Thursday, June 10, 2021, in a ribbon cutting ceremony, Ninth Judicial District Administrative Judge the Hon. Kathie E. Davidson and Westchester County Executive George Latimer unveiled a state-of-the-art Family Court facility at 26 Garden Street in New Rochelle, adjacent to the city&rsquos transportation hub.


The new, New Rochelle Family Court occupies the third and fourth floors of a six floor building and has two courtrooms, three hearing rooms, judge&rsquos chambers, offices for non-judicial staff as well as for staff from the Office for Women, Department of Probation and other County agencies. The 35,000 square foot space features the latest technology and equipment, from assisted-listening capabilities to HVAC systems that provide for a good fresh-air ratio.


Photo: Courtroom inside the New Rochelle Family Court


New Rochelle Family Court is one of three family courts in Westchester County, along with courts in White Plains and Yonkers. These courts hear cases involving children and families, including child neglect, child custody and support, domestic violence, juvenile delinquency, adoption and guardianship, among other matters.


Monday, May 24, 2021
Full Staffing In All Court Facilities Resumes Statewide

Courts in New York State


Photo: New York Criminal and Supreme Court

On Monday, May 24, 2021, all 16,000 members of New York State’s Judiciary returned to full staffing in all courthouses and other court facilities throughout New York State. This comes fifteen months after the Covid-19 pandemic forced the court system to shift to video-linked virtual courtrooms for most proceedings and drastically reduced courthouse activity.

The return to court, however, does not mean a return to the way the system operated before the pandemic. All health and safety protocols will continue including COVID-19 screenings, mandatory masking and social distancing, acrylic barriers, and strict cleaning and sanitizing procedures.


Photo: Kings County Supreme Court

Chief Judge Janet DiFiore has said that the decision to return to full staffing is being done to support the fuller resumption of court operations, including jury trials and other proceedings in the courts. However, it does not mean a return to the densely crowded courthouses of pre-COVID days. The plan is to limit the number of people physically present in the courthouses by relying on remote technology and virtual appearances to hear those matters not requiring the physical presence of lawyers and litigants.


Photo: Nassau County Supreme Court

In the continuing effort to provide vaccinations, the court system has partnered with New York City to provide pop-up vaccination sites on Monday, May 24th and Tuesday, May 25th. The sites are near our courthouses in three boroughs, Queens (Borough Hall Plaza), Staten Island (26 Central Avenue) and the Bronx (Lou Gehrig Plaza) and will operate from 9:00 AM to 5:00 PM on both days.


Photo: Ontario County Court

As with vaccination appointments scheduled elsewhere, employees are entitled to excused leave of up to 3.5 hours for this purpose. There will be a person at the pop-up site who can answer any employee’s questions about the vaccines.


Photo: Pop Up Vaccination Site, Staten Island Criminal Court.

Wednesday, May 19, 2021
New Court Officer Recruit Class
New York State Captain William H. Thompson, Sergeant Thomas Jurgens, Sergeant Mitchel Wallace Court Officers Academy Crown Heights, Brooklyn


Photo: Court Officer Academy candidate receiving temperature check prior to sitting down to take the psychological exam.

On Wednesday, May 19, 2021, it was announced that a new Court Officer Academy class will commence training on September 7, 2021. The class of up to seventy recruits will train at the academy’s facility at Castleton-On-Hudson. All will be required to be fully vaccinated against the Covid-19 virus prior to the start of training.

Several Court Officer candidates came to the New York State Captain William H. Thompson, Sergeant Thomas Jurgens, Sergeant Mitchel Wallace Court Officers Academy in Brooklyn to take the required psychological examination, part of the selection process before being chosen for the new academy class.

The rigorous, four-month basic training regimen for Court Officer-Trainees includes classroom instruction on criminal law, civil law, family law, constitutional law and arrest procedures, along with training in such areas as intermediary weapons including baton, pepper spray and firearms proper use of force first aid, CPR and basic life support crowd control tactical communications domestic violence awareness and mandatory reporting obligations.

Graduating officers will be assigned to the 3rd, 4th, 5th, 6th, and 8th Judicial Districts outside of New York City.

Photo: Court Officer Academy candidates taking exams.

ARCHIVE OF COVID19 CONTENT:
Mar. 2020 to Apr. 2021

"The New York State Court System provides essential justice services to the people of the State of New York. As we resume in-person operations Statewide to include non-essential matters, all essential functions of the courts remain available to ensure that New Yorkers may access the justice system during this extremely challenging time."
- Chief Judge DiFiore

If you have specific questions about your juror service, a case already in court, or you need to start a court case, call: the Coronavirus Telephone Hotline: 833-503-0447.

JUROR SERVICE:
If you have been summoned for juror service see your County's Commissioner of Jurors website for reporting instructions.

TEMPORARY ORDERS OF PROTECTION issued in any court of the New York State Unified Court System which were due to expire on or after March 19, 2020 have been extended and are considered still in effect until parties are otherwise notified. If you have had an Order of Protection issued against you and it expired on or after March 19, it is still in effect until you are otherwise notified and you must continue to obey all conditions of that Order .

RESCHEDULING CASES:
Parties will be advised of rescheduled Court dates when normal court business resumes.

Questions about the status of a particular case should be made to the court, at telephone numbers listed at the Court Locator. However, please be advised that, during this health emergency, communications may sometimes be difficult.


Einzelpersonen

With an Individual Online Services account, you can manage your account online—safely and securely—whenever you’d like and without leaving home. You can even choose to receive and respond to notices or bills through your account.

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How transfers work

Transfers with a MetroCard

Transfers get encoded on your card when you swipe it. Make sure to use the same MetroCard when you’re transferring so you’re not charged twice.

  • With a pay-per-ride card: You get one free transfer within two hours of swiping your MetroCard. You can transfer from subway to bus, bus to subway, or bus to bus. Note: You can’t transfer to an express bus unless you have a 7-Day Unlimited Express Bus Plus MetroCard.
    • With pay-per-ride for multiple people: Swipe the same MetroCard once and the turnstile will let everyone through.

    Transfers with OMNY

    • You get one free transfer within two hours of tapping your card or device.
    • Use the same card or device throughout your trip. Your transfer will be recorded automatically.


    Schau das Video: DIMASH, Vocalists Reaction - Linor Oren, Ken Tamplin - Together with Ivan (Januar 2022).