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Etruskische Bronzeskulptur


Die Etrusker stellten Bronzewaren her, die bis in die Villanova-Zeit (1100-750 v. Chr.) Bronze war während der gesamten Antike ein sehr begehrtes Material und konnte zur Wiederverwendung leicht eingeschmolzen werden, so dass es noch bemerkenswerter ist, dass so feine Werke wie die Chimäre von Arezzo und der Mars von Todi erhalten geblieben sind und heute Zeugnis von der exquisiten Kunstfertigkeit der ersten großen Zivilisation Italiens ablegen.

Herstellung

Etrurien hatte das Glück, über reiche Metallressourcen zu verfügen, insbesondere Kupfer, Eisen, Blei und Silber. Die frühen Etrusker machten sich diese zu Nutze und aus Bronze wurden eine Vielzahl von Gütern wie Werkzeuge, Waffen, Rüstungen, Münzen, Schmuck, Handfächer, Öllampen, Räuchergefäße, Spiegel, Stative, Alltagsgeschirr und -utensilien, Kessel hergestellt , Pferdegebisse, Truhen und sogar Streitwagen. Bronze wurde gehämmert, geschliffen, in Formen oder im Wachsausschmelzverfahren gegossen, geprägt, graviert und in den verschiedensten Techniken genietet.

Ab Mitte des 8. Jahrhunderts v. Chr. profitierten etruskische Künstler vom Kontakt mit griechischen Siedlern (insbesondere Euböern) und Händlern aus Phönizien, Sardinien, Ägypten, Mitteleuropa und dem Balkan. Dies brachte technologische Raffinessen in der Metallverarbeitung und eine ganz neue Palette von künstlerischen Ideen.

Viele etruskische Städte gründeten Werkstätten, die sich auf die Herstellung von Bronzearbeiten spezialisierten, darunter Acquarossa, Cerveteri, Chiusi, Populonia, Tarquinia, Vulci, Volsinii und Volterra. Um eine Vorstellung vom Umfang der Produktion zu geben, sollen die Römer mehr als 2.000 Bronzestatuen geplündert haben, als sie 264 v.

Figuren

Bronzefiguren, oft mit einem kleinen Steinsockel, waren eine übliche Form von Votivgaben in Heiligtümern und anderen heiligen Stätten. Einige, wie die in der Fonte Veneziana von Arretium gefundenen, waren ursprünglich mit Blattgold bedeckt. Eine frühe Figur ist eine aus dem 6. Jahrhundert v. Chr. gehämmerte und gegossene Bronzedarstellung einer weiblichen Göttin, die einen Vogel aus dem Grab der Isis in Vulci hält. Es ist 34 cm groß und hatte ursprünglich eingelegte Augen und mit Goldfolie bedeckte Teile. Die Figur befindet sich heute im British Museum London.

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Die meisten Figuren sind Frauen in langen Chiton-Roben, nackte Männer wie die Griechen kouroi, bewaffnete Krieger und nackte Jugendliche. Manchmal wurden Götter dargestellt, insbesondere Herkules. Eine übliche Pose von Votivfiguren besteht darin, einen erhobenen Arm (vielleicht ansprechend) zu haben und einen Gegenstand zu halten - normalerweise einen Granatapfel, Blumen oder ein kreisförmiges Lebensmittel (wahrscheinlich ein Kuchen oder Käse). Schöne Beispiele für kleinere Bronzearbeiten sind eine Figur aus dem 6.Tomba del Bronzetto di Angebotente) bei Populonia. Ein weiteres feines Werk ist die Statuette aus dem 4. Jahrhundert v. Chr. von zwei Ochsen und einem Pflüger aus Arretium.

Volterra war bekannt für seine Herstellung von markanten Bronzefiguren, die extrem große und schlanke menschliche Figuren mit winzigen Köpfen sind. Sie sind vielleicht ein Relikt viel früherer Figuren, die aus Bronzeblech geschnitten oder aus Holz geschnitzt wurden, und erinnern auf seltsame Weise an moderne Skulpturen. Das bekannteste Beispiel stammt aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. und ist als die bekannt Ombra della Sera („Abendschatten“). Es ist die 57 cm große Darstellung eines nackten Jungen, der stramm stehend und mit einem Hauch eines Lächelns auftritt. Die Figur ist im Museo Etrusco Guarnacci in Volterra ausgestellt.

Realismus vor Ästhetik

Etruskische Kunstwerke wurden weit über das Mittelmeer exportiert und viele wurden an heiligen Stätten wie Olympia, Delphi und Dodona entdeckt. Antike Schriftsteller wie Plinius der Ältere lobten die Etrusker insbesondere für ihre Bronzeskulpturen:

Wir sehen den toskanischen Apollon in der Bibliothek des Augustus-Tempels, fünfzig Fuß hoch vom Zeh; und es ist eine Frage, ob es wegen der Qualität des Metalls oder wegen der Schönheit der Verarbeitung bemerkenswerter ist. (Keller, 232)

Der Historiker W. Keller erklärt, was an der etruskischen Bronzeskulptur im Vergleich zu Werken anderer zeitgenössischer Kulturen einzigartig war:

Es war nicht die etruskische Art, sich auf das Äußere zu konzentrieren, eine unwirkliche, idealisierte Formvollkommenheit anzustreben. Ihre dynamischen, vitalen Werke pulsieren mit Leben. Ob Tier- oder Menschenfiguren, sie waren nicht regelmäßig, ausgeglichen oder ideal. Etruskische Künstler versuchten vor allem, die Quintessenz ihres Themas, seine individuellen Eigenschaften, herauszustellen. Sie strebten danach, die innere Triebkraft, die unbewussten Tiefen auszudrücken...Etruskische Künstler versuchten, die Persönlichkeit des Menschen, seinen harten Kern, zu erfassen und unabhängig von der Ästhetik realistisch zu vermitteln. Es waren ihre Werke, die die nüchterne realistische Kunst des römischen Porträts inspirierten. (232-3)

Etruskische Meisterwerke

Chimäre von Arezzo

Die Chimäre ist ein feuerspeiendes Monster aus der griechischen Mythologie, das einen Löwenkopf, einen Schlangenschwanz und einen aus dem Rücken ragenden Ziegenkopf hat. Die im Wachsausschmelzverfahren in Bronze gegossene Skulptur ist 78,5 cm hoch und 129 cm lang. Es stammt aus dem 5. oder 4. Jahrhundert v. Der Schwanz ist das Ergebnis einer Restaurierung im 18. Jahrhundert n. Chr. basierend auf einem erhaltenen Fragment. Es war wahrscheinlich Teil einer Komposition von Stücken zusammen mit dem Helden Bellerophon, der das Monster tötete, und seinem geflügelten Pferd Pegasus. Auf einem Bein befindet sich eine Inschrift mit der Aufschrift tinscvil oder "Geschenk an Tin", was darauf hinweist, dass es sich um ein Votivopfer für den Gott Tin (alias Tinia), das Oberhaupt des etruskischen Pantheons, handelte. Wie durch ein Wunder wurde die Skulptur 1553 n. Chr. in einem Graben gefunden, als Cosimo de' Medici, der Großherzog der Toskana, in Arezzo neue Befestigungsanlagen errichtete. Es ist derzeit im Archäologischen Museum von Florenz ausgestellt.

Mars von Todi

Die auffallende, fast lebensgroße Figur stammt aus dem späten 5. oder frühen 4. Jahrhundert v. Chr. Und trägt einen Kürass und hielt einst eine Lanze. Andererseits goß er wahrscheinlich ein Trankopfer ein. Die Figur ist 142 cm groß und trägt eine umbrische Inschrift (ahal Trutitis donum dede), die enthüllt, dass es von Ahal Trutitis, einem Kelten, geweiht wurde. Es wird angenommen, dass es in Arretium hergestellt wurde, auch wenn es in der Nähe von Todi entdeckt wurde, wo es nach einem Blitzeinschlag rituell in einem mit Steinen ausgekleideten Graben begraben wurde. Es ist jetzt in den Vatikanischen Museen in Rom ausgestellt.

Minerva von Arezzo

Diese Darstellung von Menerva, der etruskischen Göttin, die der griechischen Göttin Athena und der römischen Gottheit Minerva entsprach, wurde irgendwann zwischen dem 3. und 1. Jahrhundert v. Chr. Angefertigt. Es wurde 1541 n. Chr. in einem Brunnen in Arezzo entdeckt und ist derzeit im Archäologischen Museum von Florenz ausgestellt.

Porträt eines bärtigen Mannes 'Brutus'

Dieser Porträtkopf (in einer modernen Büste montiert) wird seit langem mit Brutus, dem ersten Konsul von Rom, identifiziert, aber es gibt keine Beweise für diese Verbindung. Die meisten Kunsthistoriker sind sich einig, dass es sich aus stilistischen Gründen um ein etruskisches Werk um 300 v. Chr. handelt. Es ist jetzt in den Kapitolinischen Museen von Rom ausgestellt.

Der Arringatore (Redner)

Diese lebensgroße Figur wurde in der ersten Hälfte des 1. Eine Inschrift weist darauf hin, dass es im Namen einer Aule Meteli (die es repräsentieren kann oder nicht) angeboten wurde. Die Statue wurde 1566 n. Chr. In der Nähe des Trasimenischen Sees entdeckt und ist derzeit im Archäologischen Museum von Florenz ausgestellt.

Hinweis: Die als Kapitolinische Wölfin bekannte Statue, die in den Kapitolinischen Museen von Rom ausgestellt ist, galt lange Zeit als etruskische Skulptur, gehört aber heute dem 11. oder 12. Jahrhundert n. Chr. an.


DIE GROßEN TOSKANISCHEN BILDHAUER DES XV. JAHRHUNDERTS V. Francesco Laurana, Antonio del Pollaiuolo, Andrea Riccio und Pisanello.

Der flache, subtile und raffinierte Stil der florentinischen Bildhauer der quattrocento wurde nie betroffen. Sie waren aus Überzeugung zart. Dieser Aspekt wird in den Porträts deutlich, die ein anderer Bildhauer, diesmal nicht Florentiner, namens Francesco Laurana, für die Prinzessinnen des Hofes von Neapel anfertigte. Francesco Laurana (ca. 1430 – vor dem 12. März 1502) war Dalmatiner, stammte aus Vrana (heute Zadar) und machte eine kosmopolitische Karriere in Neapel, Sizilien, Marseille und Avignon. Seine Porträts der neapolitanischen Prinzessinnen des Hauses Aragon (Eleanor im Palazzo Abatellis in Palermo und die Büste einer unbekannten Prinzessin im Louvre) sind beides Meisterwerke, in denen die formale Synthese den Weg der abstrakten Schöpfung ebnet.

Büste der Eleonore von Aragon, Marmor, von Francesco Laurana, Ca. 1468-1471 (Galleria Regionale della Sicilia, Palazzo Abatellis, Palermo). Francesco Laurana, ebenfalls Architekt wie sein Bruder Luciano, Erbauer des herzoglichen Palastes von Urbino, war auch ein ausgezeichneter Bildhauer von raffinierter und nüchterner Eleganz. Von Alfons V. an seinen Hof in Neapel berufen, um am Triumphbogen von Castelnuovo zu arbeiten, fertigte er dort diese Büsten der aragonesischen Prinzessinnen an. Diese besondere Büste wurde ursprünglich für Eleanors Grab geschnitzt und gilt als Inbegriff der sizilianischen Skulptur der Renaissance. Es gilt als ikonographisch ähnlich der “Büste einer Prinzessin” (Louvre, siehe Bild unten). Büste einer Prinzessin, Marmor, von Francesco Laurana, ca.1468 (Museé du Louvre, Paris). Diese Büste bildet ein perfektes Quadrat (44 x 44 cm). Obwohl die Dargestellte nicht identifiziert wird, wurde sie normalerweise mit einem posthumen Porträt des Säuglings Eleonore von Aragon in Verbindung gebracht, basierend auf ihrem Begräbnisporträt, das sich heute in der Galleria Nazionale della Sicilia in Palermo befindet.

Florentiner Dekorateure führten ihre Werke nicht nur in Kalkstein und Marmor aus, sondern sogar in Bronze, wie es einst Donatello und Verrocchio taten. Einer von ihnen, Antonio del Pollaiuolo (17. Januar 1429/1433 – 4. Februar 1498), zog 1484 mit seinem Bruder Piero, ebenfalls Bildhauer und Maler, nach Rom, um die Grabdenkmäler von Innozenz VIII. und Sixtus IV. zu schnitzen. Pollaiuolo war ein Künstler von extremer Sensibilität, etwas kränklich. Die Nervosität, die bereits in einigen Werken von Donatello zu sehen war, wurde in Pollaiuolo noch verstärkt, seine erste Ausbildung war Goldschmied, eine Technik, zu der er in seinen älteren Jahren zurückkehrte, als er das Silberrelief anfertigte, das die Geburt des Baptist, zwischen 1367-1483. Dieser Altar, der vor seiner Reise nach Rom geschnitzt wurde, war für das Baptisterium von Florenz bestimmt.

Denkmal von Sixtus IV., Bronze, von Antonio del Pollaiuolo, 1484-1493 (Kellerschatzkammer des Petersdoms, Vatikan). Dieses Grab von Sixtus IV. wurde von Sixtus’-Neffen, Kardinal Giuliano della Rovere (später Papst Julius II.) in Auftrag gegeben. Das Grab ist eine der großen skulpturalen Errungenschaften des 15. Jahrhunderts, eine Komposition, die die Übertreibung in den anatomischen Merkmalen der für Pollaioulos Kunst typischen Figuren manifestiert. Die Spitze des Denkmals ist eine lebensechte Darstellung von Sixtus IV. liegend. Um die liegende Figur des Papstes, der Tiara und päpstliche Gewänder trägt und auf einer etwas niedrigeren Ebene angeordnet ist, befinden sich Darstellungen der sieben Tugenden (Wohltätigkeit, Hoffnung, Besonnenheit, Stärke, Glaube, Mäßigung und Gerechtigkeit). Der konkave Sockel des Grabes ist mit zehn Flachrelieftafeln verziert, die allegorische Frauenfiguren darstellen, die Grammatik, Rhetorik, Arithmetik, Geometrie, Musik, Malerei, Astronomie, Philosophie und Theologie darstellen – die klassischen freien Künste, mit denen Malerei und Theologie hinzugefügt wurden Figuren werden durch Akanthuskonsolen getrennt. Jede Figur enthält die Eiche (Rover” auf Italienisch), Symbol von Sixtus IV. Grab von Papst Innozenz VIII., vergoldete Bronze, von Antonio del Pollaiuolo, 1492-1498 (Basilika St. Peter, Vatikan). Antonio del Pollaiuolos letzte Aufträge waren die päpstlichen Gräber von Sixtus IV (siehe vorheriges Bild) und die seines Nachfolgers Innozenz VIII. (Bild oben). Dieses Grabdenkmal stand ursprünglich im alten Petersdom und wurde kurz vor Pollaiuolos Tod fertiggestellt. ​Das Denkmal besteht aus zwei Teilen: einem liegenden Bildnis von Innozenz VIII., das auf seinem Grab liegt, und einem Bild von ihm, das auf einem Thron sitzt und darüber platziert ist. In dieser sitzenden Figur hält der segnende Papst die Metallspitze der Lanze, die die Seite Christi durchbohrte, eine der vielen heiligen Reliquien, die in St. Peter untergebracht sind. Jahrhundertelang wurde die Reliquie der Heiligen Lanze in Konstantinopel aufbewahrt. 1492, kurz vor seinem Tod, erhielt es Papst Innozenz VIII. jedoch als Geschenk des osmanischen Sultans Bayezid II. Die Figur des sitzenden Papstes ist von Reliefs der vier Kardinaltugenden umgeben. Oben wird ein schweres Gesims von einer Lünette überragt, auf der die drei theologischen Tugenden in Relief dargestellt sind (Charity ist in einer Mandorla platziert). “Altar des Baptisteriums von Florenz mit Szenen aus dem Leben des Täufers: Geburt”, Gold, von Antonio del Pollaiuolo (Museo dell’Opera del Duomo, Florenz). Dieses Relief, das die Geburt des Täufers darstellt, befindet sich auf der linken Seite des Altars und gibt ein originalgetreues Bild eines zeitgenössischen florentinischen Interieurs wieder. Die Szene spielt in einem Raum, in dem das Bett in der Mitte steht. Ganz im Hintergrund unter dem Fenster bringt ein Diener Erfrischungen, während der von seinen Ammen gepflegte Baptist im Vordergrund steht. Währenddessen betritt die Jungfrau in Begleitung ihrer Dienerin den Raum auf der rechten Seite, eine Figur, die stark an das Bildnis der Flora in der “Primavera” von Botticelli (Bild unten) erinnert. Die Vordergrundszene stellt das Waschen des Kindes dar und ist in seinen Details realistisch, zum Beispiel sehen Sie, wie die Frau mit der linken Hand die Temperatur des Wassers spürt.

In einigen Werken Pollaiuolos spielte der Ausdruck eine wichtige Rolle, insbesondere in seinen Kleinplastiken. Antonio del Pollaiuolo wird von einigen Gelehrten auch zugeschrieben, die Figuren der kleinen Zwillinge Romulus und Remus geformt zu haben, die im 15. Jahrhundert der antiken Statue der Kapitolinischen Wölfin hinzugefügt wurden. Um diese Zeit begannen verschiedene toskanische Künstler oder andere aus verschiedenen Regionen Mittel- und Norditaliens, Werke in reduzierter Größe zu modellieren, wodurch eine Tradition entstand, die Ende des 15. hatte ihren wichtigsten Vertreter in dem Paduaner Andrea Briosco mit Nachnamen Riccio (ca. 1470 – 1532), zunächst ausgebildet als Goldschmied und später Autor kleiner Bronzefiguren, Tiere und Akte nach etruskischem Vorbild. Er zeichnete sich durch die Herstellung kleiner Bronzen aus, die den Geist der Antike einfingen, ohne auf das Kopieren zurückgreifen zu müssen. Riccio gilt als der größte Bildhauer kleiner Bronzen im Italien der Renaissance.

Einige kleine Skulpturen von Antonio del Pollaiuolo. Links: Herkules und Antäus, Bronze, 1470er Jahre, 45 cm Höhe (Museo Nazionale del Bargello, Florenz). Die Skulptur stellt die klassische Episode von Herkules dar, die sich in einem Ringkampf mit dem Riesen Antäus befindet, der unbesiegbar war, solange ein Teil von ihm die Erde berührte, aus der er seine Kraft schöpfte. So hielt Hercules ihn in der Luft, bis er schwach wurde und starb. Herkules ist mit seinen Armen um die Taille von Antaeus geschlungen dargestellt und zerquetscht den Körper des Riesen mit seinem eigenen. Diese Bronzestatuetten wurden häufig patiniert, um antiken Bronzen zu ähneln. Dieses besondere Stück demonstriert Pollaiuolos Kenntnisse der Anatomie (erlernt durch das Sezieren von Leichen) und seine Fähigkeit, körperliche und emotionale Gewalt darzustellen. Diese Gruppe war zu Lebzeiten des Künstlers berühmt: Leonardo studierte sie und Michelangelo fügte eine Skizze davon auf ein Blatt mit Bronzeguss. Rechts: Herkules, ca. 1475 (Bode-Museum, Berlin). Kleine Bronzen von Andrea Riccio. Oben links: Pfanne, ca. 1510-1520, 36 cm Höhe (Metropolitan Museum of Art, New York). Diese Statuette ist einer antiken Marmorstatue nachempfunden, die sich heute in den Kapitolinischen Museen in Rom befindet. Duccios gelehrte Kundschaft bevorzugte Themen der klassischen Mythologie. Oben rechts: Der Hirte Daphnis mit Pfeifen, zwischen 1520-1530, 21,3 cm Höhe (Walters Art Museum, Baltimore. Maryland). Diese kleine Bronze zeichnet sich durch ihren Naturalismus und ihre Lyrik aus. Diese Statuette stellt einen Hirten aus der mythischen Welt Arkadiens dar, in der Satyrn, Nymphen, Götter und Menschen entspannt zusammenlebten. Er wurde vom Gott Pan gelehrt, die hohle Rohrpfeife zu spielen und wurde zum Erfinder der pastoralen Poesie. Unten links: Die Rothschild-Lampe, ca. 1510-1520, 19 x 23 x 7 cm (Metropolitan Museum of Art, New York). Dies ist eine funktionelle Öllampe. Im Allgemeinen hat die Lampe die Form eines fantasievollen antiken Schiffes oder einer Kombüse. Dekoriert mit Muscheln, Bucrania, Harpyien*, Girlanden und anderen klassischen dekorativen Motiven ist der Korpus jeder Lampe zusätzlich mit Friesen aus putten. Unten rechts: Satyr und Satyrin, Ca. 1510-1520 (Victoria und Albert Museum, London). Hier zeigt Riccio das lüsterne Wesen der Satyrn, aber auch ihre zärtliche Beziehung: Satyr und Satyrin sitzen ineinander verschlungen auf einem flachen Sockel, die Arme um die Schultern des anderen, ihr rechtes Bein ruht über seinem linken, der Satyr berührt den Hals seines Partners mit seinen Fingerspitzen, seinem Daumen auf ihrem Kinn, und ihre Lippen waren geschürzt, als wollten sie sich küssen.

Es ist natürlich, dass eine Gesellschaft wie die von Florenz Mitte des 15. Ein solcher Eifer, die antike Kunst nachzuahmen, wurde bei den Italienern, die damals in der Toskana lebten, so tief verwurzelt und selbstverständlich, dass er sogar in den Kunstformen bemerkt wurde, die für das einfachere Bürgertum und die einfachen Bürger bestimmt waren. Es ist in der Keramik zu sehen, in der aufgrund des reichlichen Imports valencianischer Stücke die Beherrschung der weißen Beizlacktechnik deutlich wurde, die sich so gut für polychrome Ornamente eignet. Dank dieser Technik und einer eleganten Modellierung waren solche lackierten und bemalten Terrakottas oft kleine Meisterwerke, die die subtile Sensibilität der Renaissance widerspiegelten, seien es Gefäße und Geschirrteile oder dekorative Einsätze für Andachts- oder persönliche Zwecke.

Beispiele für zinnglasierte Maiolica-Keramik aus dem Italien der Frührenaissance. Links: Blau-weiße Vase mit Eichenblatt- und Hundedekor, hergestellt in Florenz, ca. 1400-1450 (Museo Nazionale del Bargello, Florenz). Rechts: Steingut, Maiolica-Teller mit Zinnglasur, Anfang des 15. Jahrhunderts, Italien (Metropolitan Museum of Art, New York).

Eine andere typische Facette dieses Wunsches, die Formen der Antike wiederzubeleben, wurde in die Medaillenherstellung übertragen. Der erste und berühmteste Medaillengewinner war ein aus Verona stammender Maler und Bildhauer Antonio Pisano, genannt Pisanello (ca. 1395 – ca. 1455), ein raffinierter Künstler und hochqualifizierter Tierillustrator. Er war derjenige, der für diese künstlerische Mode den Ton angab. Seine erste Medaille war diejenige, die er mit dem Bildnis von Johannes VIII. Renaissance-Künstler verwendeten später das Johannes-Porträt von Pisanello fast als Standardtypus, um exotische oder antike Figuren darzustellen. Dies kann in der Arbeit von Piero della Francesca gesehen werden, der das Bild von Johannes in seinen “Flagellation of Christ” und Arezzo-Fresken zur Geschichte des wahren Kreuzes verwendet, und in der Arbeit von Benozzo Gozzoli, der das Bild von Johannes verwendet als Vorlage, um einen der Magier in seinen Fresken für die Magierkapelle darzustellen (siehe kleine Bilder unten).

Medaille von Kaiser Johannes VIII. Palaeologus (Vorderseite-links und Rückseite-rechts), Kupferlegierung, von Pisanello, Ca. 1438, 10 cm Durchm. (Münzkabinett, Staatliche Museen, Berlin). Johannes VIII. Paleologus (1392-1448), Kaiser von Byzanz, war der letzte Herrscher des alten Römischen Reiches. Er wurde von Papst Eugen IV. zu einem Konzil in Ferrara eingeladen, wo er mit großem Gefolge ankam. Pisanello, der damals in Ferrara für Leonello d’Este arbeitete, war fasziniert von der exotischen Erscheinung des kaiserlichen Gefolges, deren Details er in Zeichnungen festhielt und in Gemälden verarbeitete. Pisanello wurde beauftragt, ein Objekt zum Gedenken an diesen historischen Besuch herzustellen. Diese Medaille, die erste Porträtmedaille der Renaissance, wurde zum Typus für alle nachfolgenden Medaillen. Auf der Vorderseite (links) platzierte Pisanello Johannes Palaeologus im Profil nach antiken und mittelalterlichen Vorbildern und ist von einer identifizierenden Inschrift in griechischer Sprache umgeben, die “John, Kaiser und Autokrat der Römer, der Palaeologus” lautet, der auffälligste Aspekt von das Porträt ist der kaiserhut: Dieses große Gewand nimmt etwa die Hälfte der Bildfläche der Vorderseite ein. Auf der Rückseite (rechts) ist Palaeologus wieder im Profil dargestellt, wie er auf seinem Pferd reitet, während er an einem Straßenkreuz auf einem Podest anhält, um zu beten. Hinter ihm, auf einem anderen Pferd, ist ein Page oder Knappe von hinten und verkürzt dargestellt. Inschriften in lateinischer und griechischer Sprache nennen Pisanello als Medaillenhersteller (“Das Werk des Malers Pisano”). Das Bild von John Palaeologus von Pisanello (siehe vorheriges Bild) hatte einen starken Einfluss auf die Kunst. Seine “exotischen” Merkmale wurden fast unverändert von späteren Künstlern reproduziert, darunter Piero della Francesca (Arezzo-Fresken über die Geschichte des wahren Kreuzes links und Geißelung Christi-Zentrum) sowie Benozzo Gozzoli (Prozession der Könige Fresko in die Magi-Kapelle-rechts).

Inspiriert von römischen Münzen, mit ihren Herrscherporträts und allegorischen Darstellungen auf der Rückseite, erinnerten Pisanellos Medaillen an Einzelpersonen oder Ereignisse und dienten als Geschenke und Andenken. Pisanello bestimmte dann den Stil einer solchen Prägung. Im Allgemeinen modellierte er auf der Vorderseite der Bronzescheibe die Profilbüste des Dargestellten im Relief, begleitete sie mit einer lateinischen Legende und reservierte für die Rückseite ein Symbol oder eine Allegorie. Zu seinen berühmtesten Medaillen gehören die, die er für Gianfrancesco Gonzaga, Marquess of Mantua, für Filippo Maria Visconti, für Leonello d’Este und die in Neapel für Alfonso V. von Aragon angefertigt hat.

Andere Medaillen von Pisanello. Oben links: Medaille von Gianfrancesco Gonzaga, Kupferlegierung mit dunkler Patina und dunkler Wachsschicht, ca. 1445-1447, 10 cm Durchm. (Metropolitan Museum of Art, New York). Gianfrancesco Gonzaga (1395-1444) war ein erfolgreicher Militärkapitän und eine Schlüsselfigur bei der Konsolidierung der Gonzaga-Herrschaft in Mantua. Auf der Vorderseite (links) der Medaille erscheint der Marquis opulent gekleidet mit großem Hut. Auf der Rückseite (rechts) ist seine Rolle als Militärkommandant dargestellt, wo er eine Feldrüstung trägt, den Kommandostab hält und auf einem mächtigen Pferd sitzt. Von hinten ist ein ebenfalls kriegsgekleideter Zwergenknappe zu sehen. Mitte links: Medaille von Filippo Maria Visconti, Bronzeguss, ca. 1441, 10 cm Durchm. (Castello Sforzesco, Mailand). Filippo Maria Visconti (1392-1447) war der Herrscher des Herzogtums Mailand. Er war zurückgezogen, übergewichtig und hatte Schwierigkeiten beim Gehen. Die Vorderseite der Medaille zeigt Visconti im Profil mit seinem typischen Hut. Auf der Rückseite evoziert die schneidige Reiterfigur in Turnierrüstung und mit einer Lanze in der Hand das ritterliche Ambiente des Hofes, ebenso wie seine berittenen Gefährten. Unten links: Medaille von Leonello d’Este, gelbliche Kupferlegierung mit dunkelbrauner Patina, ca. 1441-1444, 7 cm Durchm. (Metropolitan Museum of Art, New York). Leonello d’Este (1407-1450) war Markgraf von Ferrara und Herzog von Modena und Reggio Emilia. Nach zeitgenössischen Quellen war er ein ernsthafter Intellektueller, ein begeisterter Musiker, Dichter und aktiver Kunstmäzen. 1441 brachte er Pisanello an seinen Hof und gab bei ihm eine Serie von mindestens sechs Medaillen in Auftrag. Jede Medaille trägt auf der Vorderseite das Porträt des Prinzen, gepaart auf der Rückseite, mit einem dunklen und komplizierten Bild, das reich an Symbolik und Anspielungen auf klassische Kunst und Gelehrsamkeit ist. Auf der Rückseite dieser besonderen Medaille flankieren an Olivenzweigen hängende Rüstungsteile die merkwürdige Gestalt des dreigesichtigen Kindes, das allgemein als Sinnbild der Klugheit erklärt wird, ein wesentliches Attribut des Herrschers, der in die Vergangenheit blickt, Gegenwart , und Zukunft. Rechts: Medaille von Alphonso von Aragon, König von Neapel, Bronzeguss, 1449 (Victoria and Albert Museum, London). Pisanello produzierte mehrere Porträt-Gedenkmedaillen für Alphonso V. von Aragon. Die Rückseite zeigt einen majestätischen Adler, der über einem toten Rehkitz thront und von kleineren Raubvögeln umgeben ist und Alphonsos Tugenden als Herrscher darstellt. Dieses Bild wird durch die lateinische Inschrift “Imperial Liberality” verstärkt.

Andere, nicht weniger berühmte Medaillen werden auch Pisanello oder seinem Nachfolger Mateo de’ Pasti zugeschrieben, ebenfalls aus Verona, der ein Schüler Donatellos war. Er arbeitete viele Jahre in Donatellos Werkstatt und vollendete Donatellos unvollendete Werke nach seinem Tod im Jahr 1466. Später wurde Bertoldo Leiter und Lehrer der informellen Akademie für Maler und Bildhauer, die Lorenzo de’ Medici in seinem Garten gründete. Gleichzeitig war Bertoldo dort Verwahrer der römischen Antikensammlungen. Obwohl Bertoldo kein bedeutender Bildhauer war, besuchten einige der bedeutendsten Bildhauer ihrer Zeit diese Schule, darunter Michelangelo. Andere berühmte Medaillengewinner waren Bertoldo di Giovanni, ein Schüler Donatellos, und Niccolò Fiorentino.

Medaillons von Sigismondo Pandolfo Malatesta und seiner letzten Frau Isotta, von Matteo de’ Pasti (Museo della città di Rimini, Italien). Matteo de’ Pasti (geboren in Verona) arbeitete an vielen königlichen Aufträgen, darunter Arbeiten für Leonello d’Este und Sigismondo Pandolfo Malatesta. Matteo arbeitete auch mit dem Architekten Leon Battista Alberti bei der Planung und dem Bau des Tempio Malatestiano. Anderer bedeutender Medailleur der italienischen Frührenaissance. Oben links: Porträtmedaille von Mehmed II (Vorderseite), Bronze, von Bertoldo di Giovanni, Ca. 1480, 9,4 cm Durchm. (Nationalgalerie, Washington). Mehmed II., allgemein bekannt als Mehmed der Eroberer, war ein osmanischer Sultan aus der Mitte des 15. Jahrhunderts. Oben rechts: Die Pazzi Cospiracy Medal (Vorderseite), Bronze, von Bertoldo di Giovanni, 1478, 6,4 cm Durchm. (Nationalgalerie, Washington). Diese berühmte Medaille erinnert an Giuliano und Lorenzo de’ Medici nach der Pazzi-Verschwörung von 1478. Die Vorderseite zeigt Lorenzo, der entkam. Das büstenlange Porträt wird von Brunelleschis temporärem Holzchor umrahmt, der den Hochaltar der Basilika von Florenz umschließt, während die Szene unter der Büste Lorenzo zeigt, wie er seine Angreifer abwehrt und flieht. Sein erzählerischer Inhalt ist in einer Medaille beispiellos. Mitte links und rechts: Medaille von John Kendal (Vor- und Rückseite), Bronze, von Niccolò Fiorentino, 1 480, 5,9 cm Durchm. (Metropolitan Museum of Art, New York). Unten links und rechts: Medaille von Lorenzo de’ Medici, ‘il Magnifico’, (Vorder- und Rückseite), Bronze, von Niccolò Fiorentino, Ca. 1490, 9 cm Durchm. (Metropolitan Museum of Art, New York). Niccolò wurde in eine florentinische Goldschmiedefamilie hineingeboren und zählt zu den führenden Porträtmedaillengewinnern der italienischen Renaissance. Er arbeitete im Hochrelief und schuf Bildnisse, die kühner und unverblümter realistischer sind.

Harpyie: In der griechischen und römischen Mythologie a Harpyie ist eine halb Mensch (normalerweise weiblich) und halb Vogel Personifikation von Sturmwinden. Sie kommen in homerischen Gedichten vor.

Medaille: (oder Medaillon). Ein kleines tragbares künstlerisches Objekt, bestehend aus einer dünnen Scheibe, normalerweise aus Metall, die ein Design trägt, im Allgemeinen auf beiden Seiten. Diese Designs haben in der Regel einen Erinnerungszweck. Sie können zum Tragen, an der Kleidung oder als Schmuck aufgehängt sein.


Chimäre von Arezzo, etruskische Bronzeskulptur (um 400 v. Chr.) – Stockillustration

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Etruskische Bronzeskulptur solide d'un prêtre. 3ème - 2ème siècle avant JC. 11 cm Haut.

Höhe 11 cm ohne Ständer und 16,5 cm im montierten Zustand.

Provenienz: Privatsammlung, C..C., Barcelona, ​​1960 - 1970 in London erworben.

ZUSTAND: Guter Zustand, siehe Fotos.

Prächtige Votivfigur aus massiver Bronze eines jungen stehenden Mannes, wahrscheinlich ein Priester. Er trägt einen Himation, einen weiten Mantel, der seine linke Schulter und seinen linken Arm bedeckt, der über seine nackte Brust auf die rechte Seite seiner Hüften fällt und dann seine Beine bedeckt. Im Gegensatz zu den Chlamys wird dieses Kleidungsstück nicht mit einer Nadel oder Krawatte gehalten. Die Knöchel und Füße sind unbedeckt, so dass wir sehen, dass die Figur keinerlei Schuhwerk trägt.

Seinen Kopf ziert ein Diadem, das allgemein als Strahlenstephan bezeichnet und meist als Kranz aus Efeublättern oder Beeren interpretiert wird.

Die Statue hat eine abgeflachte Form, eine Pose und Anatomie, die direkt vom griechisch-hellenistischen Stil beeinflusst wurden. Das Haar ist lang und wellig und das Gesicht wunderschön ausdrucksstark.

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Tinia, der mächtigste Gott im etruskischen Pantheon, erscheint oft mit einem Blitz, dem gleichen Attribut, das mit Zeus und Jupiter in der griechischen und römischen Religion und Mythologie verbunden ist. Die ausgestreckte linke Hand könnte einst ein Zepter gehalten haben. Obwohl die Figur zahlreiche Parallelen zu anderen etruskischen Bronzen der späten 500er und frühen 400er v. Eine Analyse der Bronzezusammensetzung aus dem Jahr 2001 zeigte Ergebnisse, die mit anderen alten etruskischen Legierungen übereinstimmen.


[JD1]Es mag offensichtlich erscheinen, aber im Sinne der Superklarheit möchte ich hier irgendwo „alt“ hinzufügen – andere alte etruskische Legierungen.


Etruskische Bronzeskulptur - Geschichte

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Die Toskana ist bekannt als Heimat der etruskischen Zivilisation, die in der gesamten Region viele Spuren hinterlassen hat, sowie viele Kunstwerke, die in mehreren Museen und Stätten ausgestellt sind - sehen Sie sich diesen Beitrag über 5 etruskische Kunstwerke an.

Nachfolgend haben wir 5 archäologische Gebiete aufgelistet, die abseits der ausgetretenen Pfade liegen, aber auf jeden Fall einen Besuch wert sind für alle Archäologieliebhaber, die mehr über die Etrusker erfahren möchten.

Not too far from the center of the beautiful town of Sarteano, in the province of Siena, there is a large and very interesting necropolis called “Necropoli delle Pianacce“. The first tombs were discovered in 1954, but the most striking findings were discovered in 2003 when the archaeologists found the Tomb of the Infernal Chariot, Tomba della Quadriglia Infernale in Italian language.

Dies large tomb, dating back to 4th century BCE, is delightfully decorated with colorful paintings depicting a funeral parade in the main scene we see the Etruscan God Charun conducting a chariot with two lions and two griffons, followed by a scene representing a typical banquet and then a big and colorful snake with three heads.

Inside the tomb were found also valuable vases and other objects now preserved at the Archaeological Museum in Sarteano.

This large necropolis is included in the Archaeological Park of the Tufo, in the Maremma region, southern Tuscany. It is located nearby the enchanting town of Sovana and it counts several interesting Etruscan tombs, like the Tomba Ildebranda. It dates back to 3d century BCE and is one of the most important funeral monuments in this part of Tuscany. It is completely excavated into the tuff rock and includes two different parts: the external part that is a large monument with columns and the burial chamber. Archaeologists found evidences that the monument was finely decorated and colored.

In the necropolis there is also the impressive Tomb of the winged demons, oder Tomba dei Demoni Alati, that preserves a large statue of a figure lying on a deathbed in a niche overwatched by demons and lions, and that is a significant example of aedicule tomb.

The Lake of the Idols, or Lago degli Idoli, ist ein little lake on Mount Falterona within the National Park of Foreste Casentinesi. Das ist one of the most mysterious archaeological sites in Tuscany related to the Etruscan civilization in 1838, as a matter of fact, there was found by chance a bronze statuette of Hercules.

After the first finding they totally found about 650 different bronze statuettes - some of them are on display at the National Gallery in London and other international museums. Later on, between 2003 and 2007, archaeologists found other 200 bronze statuettes, that have both human and animal form, 9.000 Etruscan coins and about 4.000 fragments of iron arrows. Scholars think that the statuettes were religious offers to the Etruscan Gods. Most of these findings are on display at the Casentino Archaeological Museum located in Bibbiena.

On top of the hill of Frascole in the Mugello area, right in front of the Mount Falterona where the Idols Lake is, there is the Archaeological area of Frascole. The site preserves the ruins of a large Etruscan building with a rectangular plan and massive walls, that archaeologists suppose it was an important temple. On the other hand it was found the mane of the Velasna family written on a ceramic vase, so they also think it was a fortress.

In the area there were found also beautiful stone slabs that are funeral stele now on display at the Archaeological Museum in Dicomano. In the museum you see several finely decorated stone slabs, as well as Etruscan bronze statuettes and other valuable objects.

The Archaeological Museum of Chianciano Terme is a must-see site for Etruscan lovers. As a matter of fact the museum dedicated one large part of the exhibit to the reconstruction of several sepulchers with their burial goods that display objects in black ceramic, bronze figures and unique Etruscan canopies.

Die canopies’ collection is one of the most important in the world because it includes funerary urns that have the form of men and women, as well as animals.


Über mich

I live life dangerously by ignoring the advice of Chuang Tzu: "Your life has a limit but knowledge has none. If you use what is limited to pursue what has no limit, you will be in danger". Badly spoiled by my wife, I spend mornings in sculpture studio, afternoons in record shop, evenings on the internet, weekends at the Palette and Chisel Academy and Art Institute of Chicago, and, the time spent in between, reading world literature. Am currently focused on the Middle East and South Asia.


Usil, the Etruscan god of the sun

Usil, the Etruscan god of the sun, is equated with the Greek and Roman Helios/Sol Invictus. Appliques depicting the god usually depict the deity with spread wings and a nimbus of rays surrounding his head which is also adorned with a diadem. On such a plaque obtained by the J. Paul Getty Museum, the figure merges into a broad plate decorated with undulating lines, suggesting the sea from which the sun emerges at daybreak and sinks at dusk.

"Ornamental reliefs such as this functioned as fittings on funeral carts and chariots, which often accompanied the burials of Etruria’s equestrian elite. Probably affixed to the sides of the vehicle, the winged god reflects the imagery of a celestial divinity driving the chariot of the sun across the sky, which was common in Greek and later Etruscan art. The earliest Usil plaque, in the Vatican Museums, was reportedly found at Roma Vecchia between 1760 and 1775 and was illustrated by Francesco Piranesi in 1778. In 1845, four similar plaques were discovered in the Tomb of the Quadriga at Vulci, which preserved the skeletons of horses. Among the appliqués held in the National Etruscan Museum of the Villa Giulia in Rome, the State Hermitage Museum in Saint Petersburg, and other museums, some may belong to that burial. Although displaying slight variations in size, facial features, form of the plate, and position of the rivets, all are associated with a preeminent bronze-casting workshop in Vulci." - J. Paul Getty Museum

Other depictions of the Etruscan god feature Usil rising out of the sea, with a fireball in either outstretched hand, on an engraved Etruscan bronze mirror in late Archaic style and with a halo on Classical style Etruscan mirrors.

While Usil is depicted most often as male, there are also feminine depictions equating Usil with another indigenous Etruscan goddess, Catha, which is often interpreted as having a solar character. Usil is also shown in close association with Thesan, the dawn goddess, something almost never seen with Helios and Eos.


Etruscan Bronze Sculpture - History

Chapter 85: Graphic Design in the Lost Civilization of Etruscan

Due to the fact that their literature was deliberately destroyed in the first centuries A.D., the origin of Etruscans is a mystery. They arrived in the ninth century BC on the west coast of Italy that is now Tuscany. They resembled the Phoenicians, and perhaps they were sailing in small groups by sea from Asia Minor. Like Phoenicians they were traders and sailors and founded towns along the coast.They spoke a language unlike any other known European tongue, one hard to read and surviving mostly as limited tomb inscriptions. Scholars profess to have lost interest in pursuing the search for origins, perhaps because past efforts have brought nothing but confused and contradictory speculation.

The "Chimera di Arezzo," a bronze statue in typical Etruscan style

Apart from being great navigators, Etruscans are, nonetheless, known for having been among the first to make use of metallurgy and to raise it to an art form. They were very skilled in carving ornaments out of gold, silver, and bronze. The ancient Romans called them the Tusci or Etrusci, which later changed into Tuscany and Etruria. The ancient Greek knew them as as Τυρρηνοὶ (Tyrrhēnoi), earlier Tyrsenoi, from which the Romans derived the names Tyrrhēni (Etruscans), Tyrrhēnia (Etruria), and Mare Tyrrhēnum (Tyrrhenian Sea). The Etruscans called themselves Rasenna, which was syncopated to Rasna or Raśna.

Some Greeks held that the Etruscans were a branch of the Pelasgians, aboriginal inhabitants of the Aegean region, others such as Virgil thought they came from Lydia, a kingdom of western Anatolia. Herodotus also ascribes the origin of the Etruscans to Lydia, and reports that the ancestors of the Etruscans were forced to emigrate from Lydia because of 18 years of hard times. The Lydians built ships and half of the population left under the leadership of Tyrrhenus, the son of the king of Lydia.

The Pelasgians may have been the Sea People who around 1200 B.C. invaded the Egyptian Empire. The Greek historian, Dionysius of Halicarnassus, in his Early History of Rome dismissed these theories and argued that the Etruscan were the aboriginal inhabitants of their area. The question became more intriguing when, in the nineteenth century, it was discovered that most of the languages of Europe belonged to one big language family called Indo-European but Etruscan was not one of them.

Sarcophagus from Cerveteri 520 BC (Etruscan) Rome, Villa Giulia

While some 13,000 Etruscan texts exist, most of these are very short, thus almost all the information about their culture is derived from their tombs, as they were obsessed with elaborate burials. The ancient Etruscans prepared extensively for the afterlife, furnishing elegant tombs ordering handsome coffins or sarcophagi, and performing meticulous and sophisticated rituals. Many Etruscan sites, primarily cemeteries and sanctuaries, have been excavated, notably at Veii, Cerveteri, Tarquinia, Vulci, and Vetulonia.

Numerous Etruscan tomb paintings portray in vivid color many different scenes of life, death, and myth. Their interest in elaborate burials has led researchers to suppose that they may have had an underlying belief, similar to the Egyptians that a part of the soul remained with the body, or at least that the body was important for the afterlife.The passion for performing rituals such as the funereal liturgy of the Phersu and other ceremonial games of skill was very widespread among the Etruscans.

According to Dr. Annette Rathje of the University of Copenhagen excavations at a site called Murlo, on a hill south of Siena, were turning up increasing evidence of large-scale settlement and monumental art, including bold friezes and some of the earliest architectural terra cottas in Italy. The ancient city had an impressive acropolis and an enormous building, the largest in Italy before the sixth century B.C., that appears to have consisted of many smaller structures around a courtyard. Statues of gods or dignitaries and mythical beasts adorned the place.

New research shows Etruscans were a conduit for the introduction of Greek culture and its pantheon of gods to the Romans. The Etruscans developed a version of the Greek alphabet, a step that influenced Roman letters and thereby northern Europe's. They built the first cities in Italy, when the hills of Rome stood barren of promise, and their influence shows up in later Roman works of architecture and engineering.

Romulus and Remus (the mythical founders of Rome) gives an idea of the great skill with which Etruscan artists worked.

The Etruscan culture developed from a prehistoric civilization known as Villanovan (ca. 900� B.C.). By the beginning of the seventh century B.C., the Etruscans occupied the central region of Italy between the Arno and Tiber rivers, and eventually settled as far north as the Po River valley and as far south as Campania. Around 540 BC, the Battle of Alalia led to a new distribution of power in the western Mediterranean Sea. Though the battle had no clear winner, Carthage managed to expand its sphere of influence at the expense of the Greeks, and Etruria saw itself relegated to the northern Tyrrhenian Sea with full ownership of Corsica. From the first half of the 5th century BC, the new international political situation meant the beginning of the Etruscan decline after losing their southern provinces.

In 480 BC, Etruria's ally Carthage was defeated by a coalition of Magna Graecia cities led by Syracuse. A few years later, in 474, Syracuse's tyrant Hiero defeated the Etruscans at the Battle of Cumae. Etruria's influence over the cities of Latium and Campania weakened, and it was taken over by Romans and Samnites. In the 4th century, Etruria saw a Gallic invasion end its influence over the Po valley and the Adriatic coast. Meanwhile, Rome had started annexing Etruscan cities. This led to the loss of the Northern Etruscan provinces. Etruria was conquered by Rome in the 3rd century BC.

Even after they were subjugated and then annexed by the Roman Republic, the Etruscans and their influence never entirely disappeared. They were assimilated. They lost their language to Latin, and yet their legacy has endured in surprising ways, beyond any part they had in spreading the Greek alphabet. In fact, Romans owed more than they ever admitted to the Etruscans. Their achievements in engineering impacted Roman aqueducts and basilicas. The tombs of the emperors Augustus and Hadrian deliberately imitated Etruscan ones from seven centuries before. The artists of the Renaissance also built upon Etruscan foundations, as seen in the palaces of Florence, the sculpture of Pisa and the painting of Siena. Painting frescoes on wet plaster had been an Etruscan talent.

The Tomb of The Augurs
The two characters with their hands extended upwards at each side of the door are generally interpreted as augurs, but others interpret them as relatives of the deceased. The name written on the wall is Apastanasar which contains the root apa (father).

Two wrestlers are depicted, possibly part of the funerary games.

This scene is also probably part of the funerary games, depicting a masked figure holding a rope in his hand. The rope is attached to the collar of a dog. When the Phersu (masked person) pulls on the rope, a nail on the dog's collar bites into its neck, enraging the animal and causing it to attack a tethered man, possibly a condemned criminal.

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The Tomb of the Bulls, Tomba dei Tori, Approximately 560 BC

The main subjects on the three parts of this chariot box perhaps refer to the life of Achilles. In the center, Achilles receives armor from Thetis, his mother. On one side, he engages in combat with another hero, possibly Memnon on the other side, he appears in a chariot drawn by winged horses. While the style and subject of the reliefs look to Greek art and myth, the treatment of the scenes is thoroughly Etruscan.

The Etruscans were interested in sea creatures and birds. On one side the shoulder panel of this jar shows two mermen, on the other two belligerent dogs. Below, six metopes deployed fairly regularly around the circumference contain water birds, each somewhat different.

This colorful and unusual work represents one enterprising Etruscan artist's response to an originally Greek shape and type of decoration. The form of the amphora, the inclusion of a lid, the two-part handles, the pendant lotus buds in the shoulder panels, the rays at the base of the body, and the echinus foot derive from Athenian prototypes of the mid-sixth century B.C.

On this black-figure hydria, the Greek hero Herakles battles the Lernean Hydra while a large crab nips at his foot. His companion Iolaos attacks from the other side, cutting off one of the monster's heads with a harpe or short curved sword. Two sphinxes flank the handle on the back of the vessel, and floral decoration covers the rest of the vase: an ivy tendril on the shoulder and a palmette and lotus frieze on the lower body.

This hydria is one of a small group of painted vases produced at Caere in Etruria. All these vases appear to come from one workshop, which may have had two artists. Caeretan hydriai display many of the basic elements of Greek vase-painting reinterpreted for an Etruscan market, using a more vivid range of colors and emphasizing the importance of floral ornament in the decoration. They are unusual in that the artist used a template for the floral decoration, a technique not otherwise known in Greek vase-painting.


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Schau das Video: Etruskische Geschichte kurz (Januar 2022).