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Statue eines Jungen mit Dorn



Vasari schlug in seiner Biographie über Michelangelo vor, dass er den Höhepunkt der künstlerischen Leistung seit Beginn der Renaissance darstellt. Vasaris Meinung wurde in den Jahrhunderten nach seinem Tod durch die Tatsache bestätigt, dass Michelangelo weithin als einer der erfahrensten und einflussreichsten Künstler in der Geschichte der westlichen Kunst angesehen wurde.

Heute befindet sich Crouching Boy in der Eremitage in Sankt Petersburg, dem einzigen Werk Michelangelos in der Sammlung des Museums. Es ist ein kleines, unvollendetes Stück aus Marmor, das nur 22 Zoll misst. (54 cm.) und zeigt einen Knaben, nackt und in der Hocke, vielleicht um seinen verletzten Fuß zu pflegen. Der Körper des Jungen ist gut entwickelt, mit ausgeprägter Muskulatur, und seine kauernde Figur lässt stark auf die in ihm komprimierte innere Kraft schließen.

Der Kopf des Jungen wird gesenkt, während er sich auf seinen Fuß konzentriert, ohne alles zu bemerken, was um ihn herum passiert, und trägt zu dem Gefühl von Trauer und Schmerz bei, das das Stück hervorruft.

Dennoch bleibt das Werk rätselhaft. Einige Gelehrte haben das Stück als Darstellung der ungeborenen Seele gesehen, andere als verwundeten Soldaten. Wieder andere interpretieren den „Crouching Boy“ als Personifikation des Genies oder des Leidens der Trauer.

Der Crouching Boy wurde von Katharina der Großen (1729 - 1796) nach Russland gebracht, als sie eine große Sammlung von Antiquitäten und anderen Stücken vom englischen Antiquar und Bankier John Lyde Browne (gest. 1787) erwarb.

Lyde-Browne war ein begeisterter Antiquitätensammler und hatte eine der größten Sammlungen seiner Zeit aufgebaut, nachdem er seit den 1750er Jahren mehrmals Italien besucht hatte. Seine Sammlung war in ständigem Wandel, da er mit diesen Objekten intensiv mit anderen Sammlern handelte und sie sammelte. Sein Haus in London diente sowohl als Showroom als auch als privates Museum.

Katharina die Große erklärte sich bereit, 1785 etwa 23.000 Pfund für etwa 250 von Lyde-Brownes Stücken zu zahlen, aber er erhielt nur die anfängliche Zahlung von 10.000 Pfund als Folge des Konkurses seines Agenten in St. Petersburg.

Neben seiner Sammlung antiker Marmorstücke hatte Lyde-Browne eine Sammlung von Werken der Renaissance zusammengetragen. Unter diesen befand sich ein Gegenstand, der in einem der Kataloge seiner Sammlungen als „eine unvollendete Statue eines Jungen, der einen Dorn aus seinem Fuß entfernt, beschrieben wurde, ein berühmtes Werk von Michelangelo. Der Junge ist nackt und hat eine hervorragende Anatomie. Es wird gesagt, dass sich die Statue früher in der Villa Medici befand“.

1520 beauftragte Giulio de’ Medici Michelangelo mit der Gestaltung einer Familiengruft, der späteren Sagrestia Nuova, in der Pfarrkirche San Lorenzo der Medici. Michelangelos Zeichnungen, die sich heute im British Museum befinden, legen nahe, dass „Crouching Boy“ Teil seines Entwurfs für diese Medici-Kapelle sein sollte.

In seiner vorbereitenden Skizze eines doppelwandigen Grabmals für Lorenzo de’ Medici und seinen Bruder Giuliano de’ Medici hat Michelangelo zwei solcher kauernden Figuren aufgenommen. Es wäre angemessen gewesen, dass ein Werk wie der „Hockende Knabe“ mit seinem Gefühl der gebeugten Trauer in ein solches Schema gehört hätte, aber die beiden hockenden Jungen wurden in seinem endgültigen Entwurf für das Projekt nicht berücksichtigt.

Es war ein Projekt, an dem Michelangelo ein persönliches Interesse gehabt hätte. Es war Lorenzo de’ Medici, der Michelangelo als Teenager in seinen Haushalt einlud. Als Teil des Medici-Haushalts studierte er bei dem berühmten Bildhauer Bertoldo di Giovanni und konnte die Werke der Renaissancemeister wie Giotto, Masaccio und Donatello sowie die der griechischen und römischen Bildhauer studieren, die ihm in der Medici zur Verfügung standen Sammlung.

Hier lernte Michelangelo auch seine zukünftigen päpstlichen Gönner Giovanni de’ Medici (Papst Leo X.) und seinen Cousin Giulio (Klemmen VII.) kennen.

Es war Michelangelos erstes Projekt, bei dem er sowohl die Architektur der Kapelle als auch die in der Kapelle zu installierenden Skulpturen und Sarkophage entwarf, einschließlich Figuren, die die vier Tageszeiten darstellen.

Während das Gebäude selbst bis 1524 fertiggestellt wurde, erlitt das Projekt eine Reihe von Unterbrechungen, wie die Zeit des Exils der Medici im Jahr 1527, den Tod von Giulio de’ Medici (Klement VII) und Michelangos dauerhafte Übersiedlung nach Rom im Jahr 1534.

Zu diesem Zeitpunkt waren die meisten Statuen geschnitzt, aber sie wurden erst 1545 in Michelangelos Abwesenheit aufgestellt. Die Arbeiten wurden schließlich 1555, wiederum ohne Michelangelos Anwesenheit, abgeschlossen.


Manneken-Pis: Die wahre Geschichte hinter der ikonischen Statue

Manneken-Pis, wörtlich „kleiner Mann pinkeln“, im niederländischen Dialekt von Marols oder „le petit Julien“, auf Französisch, ist einer der berühmtesten und beliebtesten Bürger Brüssels. Aber was ist die Geschichte hinter dieser ikonischen, wenn auch winzigen Figur? Heutzutage ist die Statue zu einem Klischee geworden, das auf T-Shirts und Bieretiketten auf der ganzen Welt nachgebildet wird. An seinen Ursprüngen ist der berühmte Manneken-Pis jedoch praktisch, mit ein bisschen Laune als Zugabe.

Die Statue des „pissing boy“, wie er gemeinhin genannt wird, hat ein langes und nicht immer einfaches Leben geführt, die Bombardierung von Brüssel 1695 und diverse Abnutzungserscheinungen im Laufe der Jahrhunderte überstanden. Laut lokalen Aufzeichnungen wurde der Brunnen, der sich an der Kreuzung der Rue de l’Étuve/Stoofstraat und der Rue du Chêne/Eikstraat befindet, bereits im 15. Jahrhundert verwendet, um Trinkwasser in der ganzen Stadt zu verteilen.

Für Touristen steht die Statue ganz oben auf der Liste der Sehenswürdigkeiten, aber für viele Einheimische ist die Bedeutung viel tiefer. Für manche symbolisiert der Brunnen einen gewissen Brüsseler Geist, der standhaft, verspielt und sehr individuell ist. Obwohl die Statue nicht mehr für die Wasserverteilung verwendet wird, nährt sie die Stadt auf neue Weise und bietet Unterhaltung und Spielgefühl. Es erinnert die Bewohner auch an die reiche Geschichte der Stadt und die sich ständig weiterentwickelnde Identität.

Noch heute und seit dem 18. Jahrhundert wird die kleine Statue zu besonderen Anlässen und Festen verkleidet. Sie wissen nie, was Sie beim nächsten Vorbeigehen als „kleiner Mann pinkeln“ verkleidet finden könnten.

Und der kleine Junge, der als Inspiration für die Statue diente? Hier überschattet die Legende die Fakten. Eine Geschichte behauptet, dass die Statue ein Abbild eines Jungen ist, der Brüssel vor Feuer und Katastrophe rettete, indem er auf die Zündschnur eines Sprengstoffs pinkelte . Was auch immer der Fall sein mag, die Statue wird wahrscheinlich hier ein Schnappschussfutter für die vielen Besucher bleiben, die die Stadt jedes Jahr besuchen, und eine gute Erinnerung an Humor und Geschichte für die glücklichen Einwohner der Stadt.


Ist das das Original Manneken Pis?

Der Name Manneken Pis wurde erstmals 1452 in Archiven erwähnt. Davor hieß er Petit Julien und war Teil eines öffentlichen Brunnens an derselben Straßenecke. Die Steinstatue wurde 1619 durch eine Bronzeskulptur von Hiëronymus Duquesnoy dem Älteren ersetzt. Es ist nicht bekannt, ob die Replik der ersten ähnelt, da das Original nicht erhalten wurde.

Die Statue von Hiëronymus Duquesnoy wurde 1817 zerstört und von einem ehemaligen Sträfling namens Antoine Licas gestohlen. Glücklicherweise wurden die Teile gefunden und zusammengeklebt, um eine Form für eine Replik zu machen.

Die heutige Statue entstand 1965, nachdem Manneken Pis wieder verschwunden war. Nach mehreren Monaten wurde die zerbrochene Statue im Brüsseler Kanal gefunden und befindet sich derzeit im Maison du Roi am Grand Place.


Spinario, der Junge mit einem Geheimnis

Wer ist der Junge, den die Leute „Spinario“ nennen, der mit gekreuzten Beinen sitzt und seine linke Fußsohle inspiziert?

Vielleicht ist er der junge Podalirius, Sohn des Heilgottes Asklepios.

Oder ist er Ascanius (Iulo, auf Latein), Sohn von Aeneas und Creusa, der Urvater des julianischen Clans, von dem Julius Caesar und Kaiser Augustus abstammen?

Es könnte sich sogar um den legendären Hirtenjunge Gnaeus Martius – genannt „der Gläubige“ – handeln, der erst, nachdem er dem römischen Senat heldenhaft eine wichtige Botschaft überbracht hatte, anhielt, um einen Splitter zu entfernen, auf den er während seiner Reise getreten war.

Wen auch immer sie darstellen mag, viele Künstler, vor allem in der Renaissance, verwendeten diese Bronzestatue – ein Geschenk von Papst Sixtus IV. an Rom im Jahr 1471, die heute in den Kapitolinischen Museen ausgestellt ist – als ihr „Modell“, was zu einer langen Liste von Kopien führte die heute in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt sind.

Der „Junge mit Dorn“ ist höchstwahrscheinlich das Werk eines griechischen Künstlers aus dem 1.


Die Entstehung von Charles Rays “Boy with Frog”

Wenn ich zu einer riesigen Skulptur hochschaue, frage ich mich oft: Wie konstruieren Künstler solch massive Kreationen? Hier ist ein Blick auf die Reise des überlebensgroßen Künstlers von der Konzeption des Künstlers bis zur Haustür des Getty Centers Junge mit Frosch, die gestern auf der Museumstreppe installiert wurde. Zu sehen bis Januar 2012, Junge mit Frosch setzt eine Reihe temporärer Installationen fort, die sich auf zeitgenössische Kunst und ihre Beziehung zur Mission des Museums konzentriert haben.

Bevor dieser mächtige, neugierige Jugendliche seine Fiberglasfüße auf den Travertin stellen konnte, verbrachten Ray und erfahrene Kunstfertiger Jahre damit, die Figur zu konstruieren und zusammenzubauen, um jedes Detail genau richtig zu machen, von den Zehennägeln des Jungen bis zu den Warzen auf dem Ochsenfrosch.

Junge mit Frosch in weißen Hüllen während der Installation gestern auf der Museumstreppe im Getty Center

Vor einigen Jahren kam der Künstler eines Tages zu seinem Freund Mark Rossi, dem Gründer von Handmade, einer Einrichtung für Kunstfabrikanten, und sagte ihm, er wolle eine Skulptur eines Jungen mit einem Frosch schaffen.

Nachdem der Künstler die gewünschten Fotos von einem Jungen hatte, der eine lebende Amphibie hielt, wurden die Bilder gescannt und ein digitales 3D-Modell erstellt. Ray wurde dann ein bisschen wie ein Renaissance-Bildhauer, der ein Schnitzwerkzeug schwingt – außer dass sein Team anstelle eines Meißels eine Modellierungssoftware verwendete, um die Designs für die Skulptur zu verfeinern. Die Software verwendet eine haptische Schnittstelle, die Feedback per Touch gibt und ist so präzise, ​​dass sie auch in der Zahnrekonstruktion und in der virtuellen Chirurgie verwendet wird.

Der nächste Schritt? Dieses digitale Modell wurde verwendet, um maßstabsgetreue Versionen der Skulptur aus Urethanschaum zu erstellen. Weitere Iterationen von Junge mit Frosch wurden im Laufe der Jahre in verschiedenen Größen und Materialien hergestellt, um Ray bei der Entscheidung über den Maßstab und unzählige andere künstlerische Details zu helfen. Als der Künstler bereit war, die endgültige Skulptur zu schaffen, arbeitete Ray erneut mit Rossi und seinem Team von erfahrenen Verarbeitern zusammen. Sie stellten Formen des endgültigen Musters her, um die beiden Hauptkomponenten der Skulptur zu schaffen: Glasfaser und Stahl.

Gerard Collier, ein Fabrikant bei Handmade, montiert den Arm nach einem der Muster für Junge mit Frosch

Eine Möglichkeit, dies zu verstehen Junge mit Frosch's Konstruktion sieht von außen nach innen: Unter einer weißen Lackschicht befindet sich eine viertel Zoll dicke Schicht Glasfaser, die eine Edelstahlarmatur überlagert. Diese Armatur verläuft über die gesamte Ausdehnung der Skulptur – vom Frosch bis zu den Fußsohlen jedes Jungen.

Der Künstler Charles Ray überprüft den Winkel von Junge mit Frosch während seiner Installation im Getty Center

Junge mit Frosch wie auf der Museumstreppe installiert

Die besondere Fiberglas-Version von Junge mit Frosch Die Installation im Getty Center wurde 2008 fertiggestellt und war bis vor kurzem eine beliebte Außeninstallation im Museum Punta della Dogana von François Pinault in Venedig, Italien. An die Stelle ihres Vorgängers in Venedig tritt eine letzte Version der Skulptur, die mit der hier maßstabsgleichen – außer in Edelstahl gegossen – identisch ist.

Außer wo sie leben und woraus sie bestehen, welche anderen großen Unterschiede gibt es zwischen den beiden? Gewicht. Die Stahlskulptur wiegt 475 Pfund, 300 Pfund schwerer als ihr Zwilling.

Rossi sagte, er fühle sich geehrt, an einer im Getty ausgestellten Skulptur gearbeitet zu haben: „Damit in irgendeiner Weise in Verbindung gebracht zu werden, ist wunderbar.“


1810 gemalt, zeigte Barker dieses Werk im folgenden Jahr in der British Institution. Der Junge wird gezeigt, wie er sich auf einen Baumstamm setzt, um einen Dorn aus seinem Fuß zu entfernen.

Das Thema eines Jungen, der sich einen Dorn aus seinem Fuß zieht, ist ein altes in der Kunst, das von einem Publikum des 19. Jahrhunderts als Verweis auf Renaissance und antike Beispiele erkannt worden wäre. Die Pastellfarben verbinden sich zu einem weichen Ton, der die Stimmung des Motivs vermittelt. Solche Kinderbilder waren Anfang bis Mitte des 19. Jahrhunderts beliebt.

Gegeben von Charles T. Maud, 1871

Betreff: Charles T. Maud: Entnommen aus Somersetshire-Gemeinden ein Handbuch mit historischen Referenzen zu allen Orten in der Grafschaft. »Bathampton Charles Theobald Maud vom Manor House, Bauer, Pferdezüchter und Bildersammler. Linke Egge 1808-9. Bal. Oberst Oxf. BA 1818.' Maud war auch die Cousine von W J Broderip, dem bedeutenden Naturforscher, der William Holman Hunts „The Hireling Shepherd“ (City of Manchester Art Galleries) besaß. Maud gab ursprünglich eine Nachbildung des Schafs im Hintergrund dieser Arbeit in Auftrag, aber Hunt überredete ihn, ein neues Stück in Auftrag zu geben, „Our English Coasts (Strayed Sheep)“ (Tate Britain).

Historische Bedeutung: Vermutlich verkauft English and Son, Sammlung J H S Piggott, 11. Oktober 1849, (126, als 'Junge mit Dorn im Fuß', Größe 45 x 52 ins), bt. Kapitän Ford, £ 95.

Die Pose des Jungen ist der berühmten klassischen großen Bronzestatue "Spinario" nachempfunden, in der ein Junge einen Dorn aus seiner Fußsohle entfernt. Diese Bronze befindet sich heute im Kapitolinischen Museum in Rom. Es war sehr einflussreich auf italienische Renaissance-Künstler und wurde auch in verschiedenen Medien viel kopiert, so gibt es zum Beispiel eine Staffordshire-Steingutfigur aus der Mitte des 18. Jahrhunderts in den V&A-Sammlungen. Barker war nach Italien gereist, kam 1790 in Rom an und kehrte Ende 1793 nach England zurück. Seine Reise zum Studium der Kunstwerke Italiens wurde von dem Bath-Geschäftsmann Charles Spackman (1749-1822) finanziert, der die Karriere des jungen Künstlers (Barkers 'Selbstporträt mit seinem Präzeptor Charles Spackman' befindet sich in der Victoria Art Gallery, Bath).

Die Hauptinspiration für dieses Gemälde von Barker in Bezug auf die Behandlung und das Empfinden des Themas sind jedoch die Genrebilder des spanischen Künstlers Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), wie die "Drei Bauernjungen" der späten 1660er Jahre (jetzt in Dulwich Picture Gallery, London). Barker war sich zweifellos des Einflusses Murillos auf frühere britische Künstler wie Thomas Gainsborough und Sir Joshua Reynolds in ihren Gemälden rustikaler oder bedürftiger Kinder bewusst. Barker war sich besonders der Gemälde von Gainsborough bewusst, der auch in Bath gearbeitet hatte, und sein oben erwähntes Selbstporträt zeigt ihn, wie er eine Landschaft im Stil von Gainsborough malt.

Dieses Werk wurde vermutlich 1811 in der British Institution ausgestellt (Kat.-Nr Maße des vorliegenden Rahmens sind 69 1/2 x 61 3/4 Zoll). Es war vielleicht auch das, das 1822 in der British Institution ausgestellt wurde, als "Ein Junge, der einen Dorn aus seinem Fuß zieht", Größe 74 x 66 Zoll. Die „Britische Institution zur Förderung der Schönen Künste unter der Schirmherrschaft Seiner Majestät“ wurde 1805 gegründet und war ein privater Club aus dem 19. Jahrhundert in London, der gegründet wurde, um die Werke lebender und verstorbener Künstler auszustellen. Im Gegensatz zur Royal Academy bestand ihre Mitgliedschaft eher aus Kennern als aus praktizierenden Künstlern. Eine Reihe von Gemälden von Barker of Bath wurden im B.I. zu seinen Lebzeiten.

1810 gemalt, zeigte Barker dieses Werk im folgenden Jahr in der British Institution. Der Junge wird gezeigt, wie er sich auf einen Baumstamm setzt, um einen Dorn aus seinem Fuß zu entfernen.

Das Thema eines Jungen, der sich einen Dorn aus seinem Fuß zieht, ist ein altes in der Kunst, das von einem Publikum des 19. Jahrhunderts als Verweis auf Renaissance und antike Beispiele erkannt worden wäre. Die Pastellfarben verbinden sich zu einem weichen Ton, der die Stimmung des Motivs vermittelt. Solche Kinderbilder waren Anfang bis Mitte des 19. Jahrhunderts beliebt.

  • Die Marktschreier von Bath. Ausst.Kat. Bath: Museums Service, Bath City Council Gloucester: produziert von Alan Sutton Publishing, 1986, p. 35, Kat. Nein. 31
  • Hunt, Tristram und Victoria Whitfield, Art Treasures in Manchester: 150 Years On, Manchester: Philip Wilson Publishers, 2007

Junge und der Stiefel

  • Boy and the Boot: Fresno, Kalifornien
  • Junge und der Stiefel: Penrose, Colorado
  • Junge und der Stiefel: Salida, Colorado
  • Boy and the Boot: Council Bluffs, Iowa
  • Junge und der Stiefel: West Union, Iowa
  • Junge und der Stiefel: Wichita, Kansas
  • Boy and the Boot (Krankenhaus): New Orleans, Louisiana
  • Boy and the Boot (Rennstrecke): New Orleans, Louisiana
  • Junge und der Stiefel: Houlton, Maine
  • Junge und der Stiefel: Menominee, Michigan
  • Junge und der Stiefel: Helena, Montana
  • Boy and the Boot (innen): Ellenville, New York
  • Boy and the Boot (draußen): Ellenville, New York
  • Boy and the Boot (drinnen): Sandusky, Ohio
  • Boy and the Boot (draußen): Sandusky, Ohio
  • Junge und der Stiefel: Wadsworth, Ohio
  • Junge und der Stiefel: Wellsville, Ohio
  • Junge und der Stiefel: Baker City, Oregon
  • Junge und der Stiefel: Hershey, Pennsylvania
  • Junge und der Stiefel: El Paso, Texas
  • Junge und der Stiefel: Orkney Springs, Virginia
  • Junge und der Stiefel: Wallingford, Vermont
  • Junge und der Stiefel: Stevens Point, Wisconsin
  • Junge und der Stiefel: Winnipeg, Manitoba
  • Junge und der Stiefel: Lindsay, Ontario

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Moschophoros (Kälberträger)

Moschophoros (Kalbträger) ist eine antike griechische Marmorskulptur aus dem Jahr 560 v. Es lebt im Akropolismuseum in Griechenland. Das Bild wird gemäß Educational Fair Use verwendet und mit Kühen und Skulptur gekennzeichnet.

Das antike Griechenland liebte perfekte Männer. In der archaischen Zeit widmete sich eine ganze Gattung der Bildhauerei einer ganz bestimmten Darstellung des nackten männlichen Körpers. Kouros, was „Jugend oder Knabe von edlem Rang“ bedeutet, waren formale, stark stilisierte, freistehende Skulpturen, die den altägyptischen Darstellungen von Pharaonen fast ähnlicher waren als den ausdrucksstarken hellenistischen Haltungen, die in späteren Jahrhunderten die griechische Skulptur definierten.

Dieser besondere Kouros, der aus den Trümmern der Athener Akropolis ausgegraben wurde, weicht vom üblichen Stil ab. Er ist bärtig, steht für Reife und trägt einen leichten Umhang, das Zeichen eines anständigen Bürgers – und ungewöhnlich für seine Zeit lächelt dieser Mann. Diese Details, zusammen mit einer Widmungsinschrift an die Göttin Athena, deuten darauf hin, dass dieser Kouros nach dem Bild eines wohlhabenden Einheimischen namens [Rh]ombos hergestellt wurde. Ebenfalls ungewöhnlich für diese Zeit, wurde der Sockel dieser Statue von dem Bildhauer Phaidimos signiert, der als erster attischer Bildhauer gilt, der sein Werk signiert hat.

Aber was ist mit der Kuh? Viele religiöse Kulte im antiken Griechenland opferten den Göttern Tiere. Kriophoros, oder „Widderträger“, gedenken dieser Opfer mit männlichen Figuren, die das dem Untergang geweihte Tier auf ihren Schultern tragen, wie es unter Hirten Brauch war. Schafe waren am häufigsten die Opfertiere, aber dieser junge Stier war mit ziemlicher Sicherheit ein Angebot, um den Segen von Athena zu gewinnen.


Jocko der Laternenhalter: Die wahre Geschichte hinter der Statue, die für Schwarze so erschreckend ist

Waren Sie jemals beleidigt von Laternen haltenden Jockeys, die auf den Rasenflächen in den Vororten gefunden wurden und dachten, sie seien rassistisch? Die meisten haben die Statue, bekannt als Jocko, mit der Mammy-Karikatur in einen Topf geworfen und fühlen sich beleidigt, wenn sie einer begegnen.

“Wir haben sie immer umgeworfen und versucht, ihnen die Köpfe abzuschlagen, sie zu überfahren”, sagte Michael McBride von Too Black, Too Fast, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, durch seine Kunstwerke auf die Geschichte der schwarzen Jockeys aufmerksam zu machen.

Er fuhr fort, die Geschichte zu erzählen, was die Statue wirklich bedeutet:

“Wir werden Ihnen helfen, den Mythos der Jockey-Statue zu zerstreuen. Es heißt ‘Story of Jocko.’Jocko war George Washingtons Stalljunge. Als George Washington den Delaware River überquerte, als es sehr kalt war, ließ er zusammen mit seinen Soldaten Jocko mit einer Laterne dort stehen und die Pferde halten, bis sie zurückkamen.

Am Ende blieben sie länger, als sie dachten. Sie kamen zurück und Jocko stand immer noch da, erstarrt, hielt immer noch die Pferde und die Laterne. George Wahsington war so bewegt, dass er den Künstler dazu brachte, eine Betonskulptur von Jocko zu machen, und er ließ all diese Dinge auch von seinen Freunden tun.

Wenn Sie dann während der U-Bahn vorspulen, wenn Sie zu einem Haus gingen, in dem dieser Jockey dort war und die Laterne an war, waren es die sicheren Häuser für die U-Bahn. Mangelndes Wissen ließ uns denken, es sei eine erniedrigende Sache, aber das ist es nicht.”

Vielleicht wusstest du das bereits oder vielleicht hast du es nicht ’ oder vielleicht glaubst du es nicht, aber es war fesselnd genug für mich, mir Geschichten über die Geschichte der schwarzen Jockeys während der Derby-Zeit von jemandem anzuhören, der so leidenschaftlich ist es. Und es gibt noch mehr. Schauen Sie zurück, um einen detaillierten Einblick in die Rolle der Schwarzen im Reitsport zu erhalten und wie lukrativ ein Sport sein kann, direkt von einem schwarzen ehemaligen Jockey. –Gerald Radford


Wo Spiritualität auf Kommerz trifft

Für diejenigen, die nicht mit dem Theravada-Buddhismus im thailändischen Stil aufgewachsen sind – einem Glauben, der Elemente des Hinduismus, der chinesischen Religionen und der Geisterverehrung miteinander verbindet – kann die Atmosphäre selbst in einem einfachen thailändischen Tempel fast wie ein Fest erscheinen. Im Wat Chedi ist dieses Gefühl auf Hochtouren.

In einer Ecke des Tempelkomplexes reiben Besucher Babypuder auf einen massiven Hartholzstamm in der Hoffnung, dass die Lottogewinnzahlen erscheinen. Nebenan spielt eine Band, die von jemandem als Dankeschön angeheuert wurde, thailändische Country-Musik. Alle zwei Stunden werden Kisten mit Feuerwerkskörpern in die Ladefläche eines Lastwagens geladen, zu einem virtuellen Berg aus Asche und verkohltem Papier gesichert und kurzerhand abgeladen und gezündet, was zu einem vulkanartigen Auswurf von Rauch und Lärm führt.

Ein Mitarbeiter regelt den Verkehr am Eingang zum Wat Chedi.

Ein Großteil des Trubels im Wat Chedi hat eine ausgesprochen kommerzielle Atmosphäre. Das Tempelgelände umfasst eine Reihe von Verkäufern, die Lotterielose verkaufen, eine Reihe von Geldautomaten und einen weitläufigen Food Court. Am Eingang zum Wat Chedi gibt es einen Stand, an dem sich Besucher anstellen, um offizielle Egg Boy-Amulette zu „mieten“ (obwohl sie tatsächlich einen Kauf tätigen, verwenden die Thais diesen Begriff, um die problematische Konnotation des Besitzes eines heiligen Gegenstands zu umgehen).

„Menschen, die hierher kommen, haben alle möglichen Wünsche“, sagt Supachai. „Ich habe einmal 100 Besucher davon interviewt, 60 wollten Lottozahlen, 20 wollten Hilfe bei der Arbeit und die anderen 20 wollten eine Mischung aus anderen Dingen.“

Ich ging auf dem Tempelgelände herum, um aus erster Hand zu erfahren, was die Leute von Egg Boy verlangten.

„Wir sind schon vor drei oder vier Jahren hierher gekommen und haben die Lottogewinnzahlen bekommen“, sagte eine Frau namens Nun, die mit ihrem Mann und ihrem Kind aus einer drei Stunden entfernten Stadt gefahren war. "Dieses Mal sind wir hier, um nach einem Auto zu fragen."

"Meine Verwandten sind schon einmal hierher gekommen und haben im Lotto etwas Geld gewonnen", sagte eine Frau, die an Diw vorbeiging. "Ich glaube nicht wirklich an dieses Zeug, aber ich dachte, ich würde es versuchen."

Boom, der für diesen Tag aus Bangkok eingeflogen war, war bei seinem zweiten Besuch im Wat Chedi. Er und seine Freunde zeigten mir ihre Amulette und Armbänder.

Der Wat Chedi-Tourismus hat auch anderen Gebieten in Sichon zugute gekommen, dem Bezirk, in dem sich der Tempel befindet. Oben genießen Egg Boy-Besucher einen beliebten Ort am Meer.

„Ich gehöre zur Generation Y“, sagt er. „Wir interessieren uns für Amulette, aber für uns geht es nicht nur um den Glauben, dass es Elemente von Mode und Status gibt. Es ist auch eine Investition.“

Später ging ich selbst zu Egg Boy. Ich stieg eine Marmortreppe hinauf zu einer Halle, die im Vergleich zu allem, was draußen vor sich ging, geradezu still und leer war. Ein knappes Dutzend Menschen kniete vor der Statue, von der angenommen wurde, dass sie den Geist von Egg Boy beherbergt. Der lebensgroße Junge war rauchverfärbt, mit gelegentlichen Flecken von Blattgold und einer verzerrten Haltung gekleidet in eine 80er-Jahre-Sitcom-Version der Kindermode: ein weißes T-Shirt mit dem Namen des Tempels, blaue Jeans mit Bündchen, ein helles rote Ferrari-Baseballmütze und Sonnenbrille.

Nach dem Hühnerfriedhof, dem Berg von Feuerwerkskörpern, den Blaskapellen und dem Food Court, den riesigen Menschenmengen und den unerbittlichen Ankündigungen schien dieser winzige, verborgene spirituelle Nexus in der Hektik fast vollständig vergessen worden zu sein.


Schau das Video: Conociendo a MANNEKEN PIS (Januar 2022).